-Jueves 20 de junio a las 19,00 horas en el Cine Palafox de Madrid. C/ Luchana, 15

Madrid 18 junio.- Ayuda a la Iglesia Necesitada ha organizado un pase benéfico de la película “Un Dios prohibido”, que narra el martirio, entre otros, de 51 seminaristas y sacerdotes claretianos en Barbastro en agosto de 1936. La proyección tendrá lugar el jueves 20 de junio a las 19,00 horas en el Cine Palafox de Madrid. 

La película cuenta cómo en el verano de inicio de la Guerra Civil española, 51 miembros de la Comunidad Claretiana de Barbastro (Huesca) son martirizados y mueren por su fe. La cinta narra las últimas semanas de su vida, desde que son retenidos hasta que finalmente son fusilados. Durante este tiempo, realizan diversos escritos donde hablan de su situación, de sus compañeros de cautiverio… pero, sobre todo, dejaron un testimonio de amor a Jesucristo, por encima de cualquier ideología, y de perdón a todos sus verdugos.

El director de “Un Dios prohibido”, Pablo Moreno, ha asegurado que lo interesante de esta historia “no es saber por qué sucedieron los hechos, sino por qué murieron”. Es decir, no hay en la película una sola concesión al revanchismo ideológico. Sólo un testimonio de fe sobre el martirio.

A la presentación del pase acudirá el padre claretiano Julián Sáinz y la recaudación irá destinada en su totalidad a la Campaña urgente que Ayuda a la Iglesia Necesitada ha puesto en marcha para sostener a los católicos en la República Centroafricana. 

Los hechos

En Barbastro, los Padres Superiores de los claretianos fueron fusilados el 2 de agosto, el resto los días 12, 13, 15 y 18 de agosto de 1936. Junto a los Superiores, fue martirizado Ceferino Giménez “el Pelé”, gitano de misa y comunión diaria que, a pesar de la insistencia de su hija, no abandonó el rosario. Además, el obispo Florentino Asensio, cruelmente torturado y asesinado el 9 de agosto. 

Los mártires de Barbastro fueron beatificados por el Papa Juan Pablo II el 25 de Octubre de 1992. Su historia, muy cercana y algo desconocida, es una gran ayuda para este Año de la Fe, ya que la película pretende mostrar la entrega total de estos mártires desde la fidelidad a Cristo, no desde el simple heroísmo humano, insuficiente para explicar los dramáticos hechos ocurridos. 

El testimonio

A continuación, reproducimos varios testimonios que dejaron escritos estos mártires durante su cautiverio, días y horas antes de su muerte:

- “Barbastro, 12 agosto 1936. Así como Jesucristo en lo alto de la cruz expiró perdonando a sus enemigos, así muero yo mártir perdonándolos de todo corazón y prometiendo rogar de un modo particular por ellos y por sus familias. Adiós”.

Tomás Capdevila Miró, seminarista, 23 años. + 13 agosto 1936.

- “No tenemos miedo, más bien sentimos hambre y grandes deseos de sufrir y ser mártires”.

Ramón Illa, seminarista, 22 años. + 15 agosto 1936. 

-“Si hablamos es para animarnos a morir como mártires; si rezamos, es para perdonar a nuestros enemigos.”

Faustino Pérez, seminarista, 25 años. + 15 agosto 1936.

-“¡Señor! Perdono de todo mi corazón a todos mis enemigos, y os pido que mi sangre, que sólo por vuestro amor he derramado, lave tantos pecados como se han cometido en este Barbastro mártir. ¡Viva Cristo Rey y el Corazón de María!”.

Eduardo Ripoll, seminarista, 24 años. 15 agosto 1936.

Público recomendado: Jóvenes

Es admirable ver el progreso del mirobrigense Pablo Moreno en su carrera de director de cine. Desde su primera producción, claramente amateur, Jesús, el peregrino de la luz (2006), ha ido dando pasos seguros en oficio y nivel de producción, mejorando progresivamente en Talitá Kum (2007), Pablo de Tarso, el último viaje (2009), hasta llegar a Un Dios prohibido, película que ve la luz el próximo fin de semana.

Con esta sorprendente película Pablo Moreno afronta varios retos de una tacada: abandonar la temática bíblica, dirigir un importante elenco de actores y asumir un presupuesto y diseño de producción sensiblemente superiores a los anteriores. Y el resultado le promociona a primera división, y nos permite augurarle una brillante carrera en la liga profesional. 

Esta película es un encargo de la congregación claretiana, y su objetivo es la recreación de esas semanas que precedieron, en agosto de 1936, al martirio de un grupo de 51 seminaristas y sacerdotes claretianos de Barbastro, martirio precedido por las torturas y asesinato del Obispo de la diócesis, el beato Florentino Asensio. Y aquí estriba el reto principal que, tanto el guionista Juanjo Díaz Polo como el director, han resuelto notablemente: contar una historia de odio sin odio y mostrar unos hechos brutales sin morbo. La ausencia en Un Dios prohibido de maniqueísmos, revanchismos, simplismos… y tantos “ismos” que lastran la mayoría de nuestras películas sobre la contienda nacional, es sin duda su mejor baza. 

La película es eminentemente coral. Muchos actores y muy bien dirigidos. Son protagonistas los religiosos y son protagonistas las milicias populares. Y en cada colectivo hay algunas individualidades más desarrolladas desde el punto de vista dramático, enriquecidas con matices y complejidades, como es el caso de Esteban (Javier Suárez), un seminarista que quiere ser seducido y salvado por Trini, una miliciana (Elena Furiase); o el líder de la CNT, Eugenio Sopena (interpretado por Jacobo Muñoz, director del casting), que trató de imponer la moderación a las hordas anarquistas, o el hermano Vall, cocinero del seminario (Juan Lombardero), un testigo sufriente de toda aquella barbarie. Por poner algunos ejemplos. 

La película ante todo es el testimonio de fe de unos jovencísimos seminaristas a quienes ofrecen la libertad a cambio de colgar la sotana. No están interesados en hacer política ni buscan polemizar con los republicanos. Sólo quieren ser fieles a su vocación y obedientes a la voluntad de Dios.  No se sienten llamados al heroísmo, pero no pueden negar a Cristo. Simple y llanamente. 

Es inevitable encontrar en este film ecos de películas portentosas recientes como De dioses y hombres (Xavier Beauvois, 2010), El noveno día (Volker Schlöndorff, 2004) o Encontrarás dragones (Roland Joffé, 2010). Obviamente no estamos hablando de modelos de producción semejantes, pero la propuesta de fondo en similar en lo que a nitidez del testimonio se refiere. Cabe destacar el uso que se ha hecho del presupuesto, exprimiendo hasta el último euro a favor de la película. No es fácil encontrar películas de época con tan escaso margen financiero. Contracorriente Producciones, de Ciudad Rodrigo, es la responsable de este largometraje, con el que marca un punto y aparte en su trayectoria empresarial. Los jóvenes no deberían dejar de ver esta conmovedora historia de perdón y de amor al Ideal, que cubre una laguna de nuestra historiografía fílmica de la Guerra Civil.

Juan Orellana

 (Alfa & Omega)

Ficha técnica:

España, 2013

Director: Pablo Moreno

 Intérpretes: Iñigo Etayo (Ramón Illa Novich, seminarista martirizado), Jerónimo Salas (Faustino Pérez, seminarista martirizado que redactó la carta de despedida dela Congregaciónen nombre de los compañeros), Alex Larumbe (Juan Echarri, seminarista martirizado), Jacobo Muñoz (Eugenio Sopena, líder CNT Barbastro), Mauro Muñiz (Ceferino Giménez “el Pelé”), Elena Furiase (Trini,la Pallaresa), Gabriel Latorre (Florentino Asensio Barroso, obispo de Barbastro martirizado), Jesús Guzmán (Padre Muñoz, hermano claretiano anciano), Luis Seguí (Salvador Pigem, seminarista martirizado), Eneko Capapay (Miguel Massip, seminarista martirizado), Gabriel González (José Figuero, seminarista martirizado), Guido Agustín Balzaretti (Pablo Hall, seminarista argentino que dio testimonio de los hechos), Isaac Israel (Rafael Briega, seminarista martirizado), Ricardo del Cano (Atilio Parussini, seminarista argentino que dio testimonio de los hechos), Javier Suárez (Esteban Casadevall, seminarista martirizado), Julio Alonso (Felipe de Jesús Munárriz, superior dela Comunidadclaretiana, martirizado), Juan Lombardero (Hermano Vall, cocinero), José María Rueda (Juan Díaz, Superior claretiano martirizado), César Diéguez (Nicasio Sierra, Superior claretiano martirizado), Daniel Gómez (Luis Masferrer, sacerdote claretiano martirizado), Jorge Ferrer (Simón Sánchez, hermano claretiano), Rodrigo Sainz (Francisco Castán, hermano coadjutor martirizado), Teseo Martín (Atanasio Vidaurreta, seminarista martirizado), Santiago Blanco (José María Blasco, seminarista martirizado), José Carlos Cañas (Padre Ferrer, escolapio), Ainhoa Aldanondo (Ángeles, miliciana), Raúl Escudero (Miguelé, miliciano), Juan Alberto López (Mariano Abad), Alex Tormo (Viu, concejal Ayuntamiento), José García Carrasco (miliciano “El Trucho”), Miguel Ángel Morenza (Jota, miliciano), Juanjo Díaz Polo (Coronel José Villalba), Chema Coloma (teniente), Jordi Estupiña (general), Gonzalo Mérida (miliciano Victoriano), Juan Rueda (Brigada Creus), Emma Caballero (Montse, miliciana), María Jesús Pereiro (Esposa coronel Villalba), Rodrigo Poisón (Miliciano Graciliano), Sergio Cardoso (Romea, miliciano), Bárbara Rodríguez (Pepita, hija del Pelé), Antonio Ramos (Doctor Mur), Antonio Castro (Durruti), Antonio Gómez (Padre Leoncio), Jéremy Sánchez (Falgarona, seminarista martirizado), Paco Pavón (Carcelero), Daniel Blasco (Alfonso Gaya), María Esparcia (Enfermera), Sergio Morán (Pablo), Rubén D. Ortega (Feliciano, miliciano anarquista), Juan Carlos Sánchez (Juez Alfós), Antonio Casares (Peñalosa, hermano claretiano), Rubén Vegas (Alférez), Agustín Hernández (Pablo Delgado, hermano claretiano), Juan Ventana (Pregonero), Antonio Moreno (Teniente Retirado), Domingo Moreno (Echegaray), Pablo Moreno (Fotógrafo).

 Género: Drama.

Duración: 124 min.

Público apropiado: Adultos 

David (Àlex Brendemühl) es un prestigioso neurocirujano al que, tras sufrir un grave accidente de coche, le diagnostican un cáncer muy grave, sólo tratable con un trasplante de médula. Entonces, David pide ayuda a sus padres (Àngels Poch y Juan Diego), cuya sorprendente respuesta saca a la luz una misteriosa historia del pasado. El hombre emprende entonces una exhaustiva investigación, y descubre que, en los primeros años 30 del siglo pasado, justo antes dela Guerra Civilespañola, nacieron en los Pirineos unos cuantos niños insensibles ante el dolor físico.

Este primer largometraje del franco-español Juan Carlos Medina comienza con vigor, y goza en su conjunto una factura visual poderosa. Sin embargo, sus cualidades formales se vienen abajo por culpa del tosco guión de Luiso Berdejo y el propio Medina, que articula sin ritmo ni progresión las constantes idas y venidas en el tiempo e insiste hasta el ridículo en casi todos los tópicos guerracivilistas de la izquierda, mostrados además con un lenguaje barriobajero e irreverente, y un tratamiento muy duro de la violencia y el sexo. Por otra parte, las interpretaciones son muy irregulares, y muchas de ellas caen en la sobreactuación, sobre todo la del veterano Juan Diego. Por el contrario, destaca la espeluznante caracterización de Berkano, a cargo del especialista Tómas Lemarquis.

Jerónimo José Martín

Ficha técnica:

España, Francia y Portugal, 2013

Director: Juan Carlos Medina. Intérpretes: Àlex Brendemühl, Juan Diego, Félix Gómez, Bea Segura, Tómas Lemarquis, Derek de Lint, Ramon Fontserè, Silvia Bel, Lluís Soler, Irene Montalà.

Género: Thriller.

Duración:100 min.

Público recomendado: Adultos S

Los británicos Christopher Nolan y Danny Boye se caracterizan por su estilo innovador. Sin embargo, que ofrezcan distintos y sugerentes enfoques, no quiere decir que busquen un público peculiar o muy reducido, sino que más bien intentan dirigirse a un amplio espectro de espectadores, contando buenas historias. Trance (2013) está claramente influenciado por cintas de Nolan como Memento y Origen, dos obras maestras del montaje cinematográfico.

A Danny Boyle lo conocemos por obras de cierta profundidad como Slumgdog millonaire, 127 horas o Millones, aunque el film en cuestión carece de esas virtudes. Desde que ganara el Óscar hace unos años tiene un acuerdo con Pathé y Fox Searchlight (dos productoras de las que han salido buenos trabajos), que le permiten hacer lo que quiera siempre que el presupuesto no supere los 16 millones de euros, lo que le da libertad, entre otras cosas, para el montaje y los giros de la trama.

Simon (James McAvoy) es una persona adicta al juego, que se encarga de la seguridad de una galería de arte. Después del robo de una joya pictórica se convierte en una pieza esencial para la resolución del caso, pero, al sufrir amnesia por un golpe recibido, la hipnosis se presenta como el único modo para recuperar la memoria. La encargada de la tarea será una terapeuta interpretada por Rosario Dawson.

La idea de este largometraje proviene de un telefilme escrito y dirigido por Joe Ahearne que adapta John Hodge. Boyle ha intentado aportar su grano de arena al género negro con su toque personal y renovando la visión que tenemos de la mujer fatal. La verdad es que resulta muy atractiva visualmente hablando y la intriga se mantiene hasta el final, un detalle que no siempre cumple esa premisa en los thriller de los últimos años, pues algunos de ellos nos desvelan las claves a mitad de la trama. El inicio es brillante, pero en la segunda parte se desinfla y enlentece demasiado. El final es más o menos sorprendente. No obstante, hace uso gratuito de la violencia, ya que no era necesario ser tan reiterativo y gráfico. Por otro lado, pensábamos que el destape erótico-festivo sólo ya se encontraba y continuaba en el cine español y francés, pero este cineasta resucita el género, mostrando alguna que otra escena, que no aporta nada al relato y que parece forzada y metida con calzador.

Ficha técnica.

Trance (2013)

Género: Thriller

Director: Danny Boyle

Reparto: John McAvoy, Rosario Dawson, VicentCassel, Danny Sapani, Matt Cross

Alude -al tiempo que se le ilumina la mirada- Javier Figuero, profesor de guión cinematográfico en el CEU, de Madrid, al filme del creador estadounidense, al que dedica su último libro, Los inadaptados de Tim Burton (Editorial Encuentro), producto de una larga relación con las películas del realizador californiano, que han sido y son motivo de referencias continuas en sus clases y objetivo perseguido para asistir a algún rodaje del creador de la última versión de Alicia en el país de las maravillas.  

¿Crees que algún día lo conseguirás?

-(Sonríe y aflora a su rostro su fe recurrente). Ahí estoy. He contactado con alguno de sus colaboradores y espero poder cumplir esta ilusión. Comprendo que es difícil, pero yo lo sigo intentando.

¿Desde cuándo data tu deseo de escribir sobre Tim Burton?

-Junto con Woody Allen, que también me encanta (con sus alumnos, dirigió el corto Misterioso asesinato en las aulas), son los autores que más cito en mis clases para explicar conceptos de escritura cinematográfica y cómo resuelven ellos sus historias, por ejemplo, las emociones, tan importantes en el lenguaje audiovisual. En esta línea, la de Eduardo Manostijeras, es la caricia más poética que yo he visto en el cine, de cómo un chico con esos apéndices ofrece esa tierna muestra de cariño a su amada después de cortar para ella un trozo de hielo, y la respuesta de ella, llena de alegría, de danzar para él. ¡Maravilloso!

¿Qué resaltarías de la forma de dirigir del creador de Eduardo Manostijeras?

-Primeramente, dejar a los actores que aporten lo que crean conveniente para mejorar las escenas, lo que favorece también la comunicación con todo el equipo para conseguir implicar a todos en el proyecto. La improvisación es otro aspecto que promueve en sus rodajes y para el que crea un grupo específico de personas, en ocasiones, que se dedican a ello. Lo utilizó en sus dos primeros largos Pee-wee’s Big Adventure y Beetlejuice. Cuando rodó Batman se reunió muchas veces con Michael Keaton para retocar cosas.

Esto me recuerda que hice un corto con mis alumnos en el que preparamos la estructura y luego íbamos introduciendo variaciones. Lo presentamos a un festival en Estados Unidos y ganamos el primer premio. ¡Vamos, que da sus frutos! Y muchos directores lo hacen. 

Para seguir, debido a su trayectoria en dibujos animados, Burton aporta unos conceptos visuales muy interesantes, con un halo mágico increíble, por ejemplo, la paradoja que supone las caricias del protagonista con unas manos tijeras. 

Con todo y, aunque sufran, sus protagonistas son también entusiastas, como “Ed Wood”. 

A tu parecer, ¿qué características reúnen sus personajes?

-Su aislamiento, que expresa visualmente con esos contrastes extremos en la forma de vestir o de comportarse con la gente “normal”. En buena medida, es reflejo de la infancia triste que tuvo, según cuenta, de sentirse excluido y rechazado, como el personaje de Eduardo Manostijeras que llega feliz al lugar y luego sufre mucho porque experimenta el rechazo de todos. Es la sociedad, contra el monstruo, como le ocurrió a Frankestein. Esta inadaptación se ve también, aunque más tenue, en otras películas, como al principio Big Fish, en la sensación de rechazo del padre por parte de su hijo, porque éste opinaba que su comunicación se ceñía sólo en contar continuas historias absurdas.

Con todo y, aunque sufran, sus protagonistas son también entusiastas, como Ed Wood. Al considerarle el peor director de cine de la historia, tenía enormes problemas para encontrar financiación. Sin embargo, tiene muchos momentos en la película de Tim Burton en los que evidencia que era un hombre ilusionado y que ilusionaba a su alrededor, lo que constata el cariño de Burton por el personaje al que sigue en sus afanes por hacer cine y del que testimonia: “Yo creo también muchas veces que estoy haciendo lo mejor del mundo y, en ocasiones, no es así”.

De entre sus películas, dime la que más te gusta, la más “redonda”

-Elegiría no una, sino tres: Eduardo Manostijeras, de la que ya he hablado, Ed Wood y Big Fish. Para mí, el primero es el personaje más logrado y el que más y mejor refleja el aislamiento social. Además, Burton pudo trabajar prácticamente sin imposiciones del estudio, con bajo presupuesto y pagando el guión de su bolsillo, con lo que el resultado es muy libre; plasmando lo que él quería decir. Con todo, las otras dos, me gustan también mucho. 

Consigue la implicación de todo el equipo para plasmar una misma idea, cuyo resultado son momentos mágicos que transmiten un montón de sensaciones. 

A tu juicio, ¿en qué ámbitos ha innovado Tim Burton el lenguaje cinematográfico?

-Sin duda, en el stop motion (animación cuadro a cuadro por manivela) ha supuesto un salto cualitativo impresionante. Su look visual te coge enseguida, como ya he referido antes, y funciona muy bien porque tiene mucha fuerza visual, por ejemplo, a la hora de enfrentar la estética gótica expresionista de sus protagonistas con el común social de estilo retro. Por otro lado, consigue historias distintas con personajes inadaptados. Y lo que me parece más importante y difícil: consigue la implicación de todo el equipo para plasmar una misma idea, cuyo resultado son momentos mágicos que transmiten un montón de sensaciones. Es lo que persigue todo director. 

Es verdad que tiene trabajos no tan “redondos” y que son menos personales, porque es consciente de las imposiciones de la industria.

Cómo profesor de guión, ¿qué subrayarías de las historias del californiano?

-Rubricar lo anterior, porque aunar voluntades es un trabajo arduo, por lo que hay que reconocerle el mérito de lograrlo. Por otro lado, Burton trabaja mucho a sus protagonistas, ya que le importan más sus emociones y sentimientos que las tramas. Por eso, llega muy bien a la gente, pues se siente identificada con la sensibilidad de sus personajes.

¿Qué tiene el padre de Vincent por el que despierta tanto interés cuando estrena su último trabajo?

-Creo que nunca defrauda, aunque es verdad que tiene trabajos no tan “redondos” y que son menos personales porque es consciente de las imposiciones de la industria. Con todo, él siempre dice: “Lo que más me entusiasma en la vida es hacer cine”. 

Acabamos con la entrevista a Javier Figuero con su anuncio de la segunda edición del libro que nos ha reunido (por cierto, con unas magníficas ilustraciones de Mireia García Sanz que darán mucho que hablar), en el que incluirá las películas últimas que han quedado fuera de esta edición y su próxima propuesta, Big eyes, en la que Christoph Waltz y Amy Adams encarnan al matrimonio compuesto por la pintora Margaret Keane y su marido, que hicieron famosos los dibujos de los niños de ojos grandes en los años 50 del pasado siglo. Suculento plato el que nos espera de Burton. 

Para los apasionados del guión

La vena escritora no ha empezado con Los inadaptados de Tim  Burton. Anteriormente, Javier Figuero nos había obsequiado con un estupendo manual sobre los conceptos básicos para narrar historias para el cine. Bajo el título, Guión: nociones sobre la escritura audiovisual, nos propone un recorrido completo y con un lenguaje asequible que contenta a especialistas y neófitos en la materia.

Público recomendado: Jóvenes 

Las historias sobre familias rotas se han abordado de maneras muy distintas a lo largo de la historia del cine. Melodramas convencionales, folletines telenovelescos, dramas sociales, tragedias urbanas, comedias negras, etc.

La original propuesta de Un invierno en la playa (Stuck in love) lleva nuestros pasos hasta la casa del novelista de éxito Bill Borgens, un portentoso Greg Kinnear, que es incapaz, dos años después de su divorcio, de superar la ausencia de su esposa, Jennifer Connelly. El chispeante director y guionista John Boone posa su mirada sobre este hombre castrado artísticamente por el dolor de la separación que, sin embargo, ha dejado en sus hijos la semilla de la escritura como remedio para exorcizar los miedos y descubrir nuevos caminos de expresión.

La cinta empieza cuando su hija mayor, Samantha (Lily Collins), de 20 años, anuncia que le van a publicar su primera novela, y su hijo menor, Rusty, obsesionado con la ficción de terror, decide empezar un camino iniciático de experiencias adolescentes que le sirvan de epifanía. Todo muy intelectualoide pero atractivamente simpático.

Entretanto, hay tiempo para el sentimentalismo y la melancolía, y la resolución de algunos problemas freudianos tales como “el matrimonio de mis padres se ha ido al garete, pues yo no quiero enamorarme jamás porque el amor no existe”. Al margen de esos lugares comunes por los que pasa toda comedia amarga de personajes variados, estamos ante una cinta verdaderamente estimulante, donde los punzantes diálogos y las soberbias interpretaciones dejan un poso difícil de describir. Porque, sobre todo, estamos ante una cinta que trata sobre la soledad, la soledad del escritor, ese hombre obsesionado con ‘su’ idea del arte y la belleza que debe, además, lidiar con la idea del arte y la belleza del mundo; que trata sobre la soledad cuando el amor se acaba, o cuando el amor se abandona, que trata del matrimonio y del compromiso, del enamoramiento y la lujuria, del momento exacto en que se deja de ser niño y se empieza a ser hombre, que trata de esas canciones que a veces, mejor que cualquier confesión y diván, dicen de verdad quiénes somos y lo que esperamos de la vida; que trata de las mujeres de 40 años y de los hombres de 50, que trata de cómo después de todas las soledades, los desengaños y las frustraciones lo que perdura es la familia y que trata, sobre todo, de los difícil que es expresar todo esto con palabras.

No es una cinta en la que haya que valorar la puesta en escena, el diseño de producción o la fotografía. Es una película pequeña, de personajes que se buscan, que tratan de saber quiénes son a toda costa. Y que lo descubren. Es una cinta que deja ese noséqué inefable que tenían Juno o Beautiful Girls y que encandiló a medio mundo. Una película que habla sobre el miedo, los defectos, los pequeños secretos y excentricidades que nos podrían convertir a cada uno de nosotros en protagonistas de una novela de terror. Una cinta que habla sobre nuestros deseos de ser mejores, de superar los errores del pasado y lo que nos puede anclar a la infelicidad. Una película que habla, en definitiva, sobre el hombre.

Ficha técnica 

Director y guionista: John Boone

Intérpretes: Greg Kinnear (William Borgens), Jennifer Connelly (Erica), Lily Collins (Samantha Borgens), Nat Wolff (Rusty Borgens), Logan Lerman (Lou), Kristen Bell (Tricia), Rusty Joiner, Spencer Breslin, Liana Liberato (Kate),.

Género: Drama romántico / Comedia dramática

97 minutos

El periódico Magisterio y la web decine21.com, bajo el programa Educacine, organizan la II sesión de Coloquios de película. En esta ocasión, el tema central será el holocausto nazi, para ello se proyectará la película Hannah Arendt tres días antes de su estreno en cines. Esta actividad, que aúna educación y cine en un mismo evento, tendrá lugar el próximo martes, 18 de junio, a las 19:30 horas en los cines Palafox de Madrid (C/ Luchana, 15).

La película Hannah Arendt cuenta las vivencias de Hannah Arendt, filósofa, pensadora y periodista, judía y exiliada en los Estados Unidos, cuando es enviada a Jerusalén por The New Yorker a cubrir el juicio de Adolf Eichmann. Este criminal de guerra nazi es juzgado y condenado a muerte por organizar el genocidio contra los judíos. Durante cuatro años, Arendt trabaja, marcada por la controversia, escribiendo un libro titulado “Informe sobre la banalización del mal”, que provocará inmediatamente un escándalo internacional. Dirige la película Margarethe von Trotta, la directora más importante del movimiento conocido como Nuevo Cine Alemán, ganadora de numerosos premios como el León de Oro en Venecia por Las hermanas alemanas(1981).

Tras la proyección, todos los asistentes tendrán la oportunidad de compartir su opinión y debatir la temática abordada por la película junto al experto en la materia Jon Juaristi (Bilbao 1951). Juaristi es converso al judaísmo y, a lo largo de su amplia trayectoria profesional, ha destacado como poeta, novelista, ensayista y traductor. Actualmente, es director general de Universidades e Investigación de la Consejería de Educación de la Comunidad Autónoma de Madrid. El tema del coloquio será: “El Holocausto ¿Cómo pudo ocurrir?”.

Las entradas para esta actividad se pueden conseguir en el portal de venta de entradas ticketea.com. Existen dos modalidades de compra: individual (5€) o precios especial para grupos de más de seis personas (4€). También se podrán comprar por teléfono en el 917818980 (horario oficina) o en la taquilla del cine el mismo día de la proyección.

En su primera sesión, Coloquios de Película proyectó el documental Sólo es el principio, que mostraba la experiencia de niños de tres y cuatro años enfrentándose por primera vez a cuestiones filosóficas. En esta evento se contó con el filósofo, pedagogo y escritor José Antonio Marina, quien, como experto educador, intervino en la presentación y posterior coloquio con los asistentes. El tema abordado fue “Enseñar a pensar desde la infancia, ¿es posible?”

Público recomendado: Jóvenes

Margarethe von Trotta sigue con su retrato de personajes femeninos; tras presentarnos a Hildegard von Bingen o Rosa Luxemburgo en anteriores trabajos la elegida es en esta ocasión Hannah Arendt (1906-1975), interpretada por Barbara Sukowa.

La película se centra en un hecho decisivo que marcó la vida de Arendt. Se encuentra exiliada en Nueva y es enviada a Jerusalén por el periódico The New Yorker para cubrir el juicio del criminal de guerra nazi Adolf Eichmann, el cual será condenado a muerte (1962). Los artículos se publicarán periódicamente y darán lugar al libro titulado “Eichmann en Jerusalén”. Hasta aquí un relato que podría ser uno de tantos, y dar lugar a una película de tantas. Pero el seguimiento de este juicio le llevó a Hannah Arendt a formular una tesis filosófica (moral, política) que podemos considerar entre las más brillantes y desafiantes del siglo XX: la tesis de la banalidad del mal. El interés de esta película reside en que nos muestra el surgimiento de esta tesis así como la polémica que provocó, y el conflicto que vivió la propia Arendt. No se limita el film a ejemplificar o ilustrar la tesis, sino que nos la presenta con toda su fuerza. De esta manera, la que podría ser una simple película biográfica se convierte en una película arriesgada.

La película se construye en torno a esta tesis; sobre ella girarán los avatares biográficos de Arendt. El ritmo de la película es consistente, mantenido por la fuerza de la interpretación de Barbara Sukowa, la cual capta perfectamente el conflicto que vivió Arendt. A pesar de ser una película filosófico-política se mantiene la intriga, se mantiene la tensión argumentativa, y los avatares biográficos desfilan en torno a un guión bien construido. Quizás se podría haber prescindido de los flash-backs que nos retrotraen a la juventud de Arendt. En ellos se cuenta básicamente la relación amorosa con Heidegger. No aportan nada al desarrollo de la trama, la figura de Heidegger es casi ridícula y son retrospecciones demasiado almibaradas. La figura de Heidegger ya está suficientemente referida en otros momentos de la película como para hacer saber al espectador la importancia que tuvo en la vida y en la filosofía de Arendt. Especial atención merece la presencia de otro de los grandes filósofos del siglo XX: Hans Jonas (El principio responsabilidad). Amigo de Arendt desde la juventud, será reflejo del drama que vivió Arendt. Como todos sus amigos judíos se emocionaron al saber que Arendt estaría allí, en Jerusalén, en el juicio que condenaría a uno de los mayores criminales del siglo XX y responsable del genocidio del pueblo judío. Lo que no esperaba Jonas era que su amiga del alma se forjaría una idea muy distinta de Eichmann.

Jonas advierte varias veces a Arendt de que será testigo de un acontecimiento histórico y que tiene que dar cuenta de lo que representa Eichmann. Pero Arendt lo que quiere es comprender, no juzgar, ni tan siquiera explicar, sólo comprender (esté será uno de los “lemas” de su filosofía). Este afán de comprensión es lo que nos muestra la película.

Pero, ¿cuál es la tesis de Arendt? ¿Qué es eso de la “banalidad del mal”? No quiere decir que el mal sea algo banal, sin importancia, trivial o insustancial. Lo que quiere decir es sencillamente que Eichmann no era un ser perverso, demoniaco o, simplemente, una “personalidad malvada”, sino que era sólo una persona que obedecía órdenes; era una persona normal, como cualquiera (“incluso estaba resfriado”, comenta con cierta gracia Arendt en un momento de la película).  Hizo todo lo que hizo por no pararse a pensar en lo que hacía, por pura y simple irreflexión. No es que fuera estúpido, pero no se le podía aplicar lo que todo el mundo estaba diciendo de él: un criminal, un espíritu perverso, un antisemita, un genocida. Para Arendt se trata nada más, y nada menos, que de un “buen” padre de familia que era obediente, y que se limitaba a obedecer órdenes –¡y la obediencia es una virtud muy admirada!–.

Fue (y sigue siendo) una tesis muy atrevida que provocó el escándalo y el rechazo de todo el mundo judío, incluso sus propios amigos la rechazaron (paradigmático es el caso que antes mencionaba de Hans Jonas). Y pese a todo, Arendt se mantendrá firme en su convicción, en su afán de comprender; la película nos mostrará magníficamente a una mujer que es hasta cierto punto arrogante y, al mismo tiempo, vulnerable y llena de dudas.

Podríamos decir que la película es brillante en la medida en que logra hacernos ver que hay momentos en la vida (y son más frecuentes de lo que parece), en que nos jugamos nuestra moralidad, nuestra altura humana, y que tanto Arendt escribiendo sobre Eichmann como el mismo Eichmann decidiendo sobre el exterminio de los judíos se encuentran ante problemas morales que hay que afrontar. El error moral de Eichmann fue negar su propia responsabilidad, negar su propia autonomía, y delegar en otro sus propias acciones. Se limitaba a hacer “lo que hay que hacer”; se trata de una moral puramente convencional, que en el fondo (esta es la gran tesis de Arendt, ¡y de Kant!) es ser inmoral. Arendt también tiene que tomar una decisión: ¿hablar de Eichamnn como lo exige la propia tradición judía, como lo esperan sus propios amigos, hablar de una forma convencional, o arriesgarse a expresar su propia convicción, su forma de comprender? La opción de la filósofa será la defensa de su  propia convicción, ejercitar su propio pensamiento, más allá de lo que “otros” digan, de una manera responsable y autónoma.

Arendt fue capaz de arriesgarse y la película nos muestra ese riesgo. Me atrevería a decir que si bien la respuesta de Eichmann ejemplifica la tesis de la “banalidad del mal”, la decisión de Arendt podría representar la “banalidad del bien”; con esto quiero decir que también pertenece a nuestra humanidad actuar responsablemente, y eso no supone ningún heroísmo, sólo actuar reflexivamente. Al que acaba de realizar una acción que calificamos de “heroica” –y lo llamamos “héroe”–, se le suele preguntar por lo motivos de su acción, y suele responder: “Sólo hice lo que haría cualquier persona”. Este “cualquier persona” es el lugar de la “banalidad del bien”, como también de “la banalidad del mal”.

La película es una invitación al pensamiento, al diálogo, a la reflexión. Saldremos del cine, y nos preguntaremos: ¿tiene razón Arendt? Precisamente, al hacerlo y no simplemente admitir su juicio, estaremos compartiendo el mismo afán que movió su vida y su obra: el afán de comprender. La película es capaz de hacernos partícipe de este afán, de este riesgo que es vivir reflexiva y responsablemente.

Tomás Domingo Moratalla

Fichas técnica:

Hannah Arendt

Alemania, 2012

Directora: Margarethe von Trotta

Guión: Pam Katz, Margarethe von Trotta

Intérpretes: Barbara Sukowa, Axel Milberg, Janet McTeer, Julia Jentsch, Ulrich Noethen, Michael Degen, Nicholas Woodeson, Victoria Trauttmansdorff, Klaus Pohl

Duración: 113 min

Género: Drama

Público recomendado: Jóvenes

El viudo Suso (Paco Tous) y el felizmente casado Manuel (Miguel de Lira) son dos padres de familia coruñeses, amigos de toda la vida, que no pasan por su mejor momento.

Tras haber llegado a la cincuentena, se ven sin trabajo ni dinero, y cada vez más alejados de sus familias: Suso, de su hija Julia (Manuela Vellés) y de su yerno Luis (Unax Ugalde), que es policía; y Manuel, de su cariñosa esposa Carmen (Marisol Membrillo), que cocina muy bien, y de Chema (Manuel Lozano), su hijo adolescente y pasota. Cuando la situación es prácticamente insostenible, sucede el milagro: en un día de pesca, los dos amigos se encuentran en la ría un paquete con diez kilos de cocaína. Suso y Manuel deciden comenzar a vender la droga para conseguir salir de la miseria. Pero el dilema moral no es su único problema: ¿Qué saben ellos de cocaína?

El premiado cortometrajista vigués Alejandro Marzoa (Temporada 92-93, Amistad) debuta en el largometraje con esta astracanada de enredo, producida por José Corbacho y Andreu Buenafuente. La película es un poco deslavazada y demasiado malhablada —esas constantes e irritantes irreverencias…—, pero acaba resultando divertida y positiva en su denuncia del tráfico de drogas, la corrupción policial y la fascinación por el dinero, aun a costa de la propia felicidad, certeramente delimitada aquí por dos coordenadas: la familia y la amistad. Todo esto se articula en una factura realista, sencilla pero fluida, y en un notable trabajo interpretativo, en el que sobresale el jugoso juego entre Paco Tous y Miguel de Lira. Peor aprovechadas están la joven Manuela Vellés y la veterana Marisol Membrillo, cuyos personajes tienen poco vuelo. Marzoa debe limar aristas —sobre todo, verbales—, ajustar mejor la progresión dramática y cómica de las tramas, y profundizar un poco más en los interesantes temas que trata. De todas formas, aquí demuestra que puede llegar a ser un buen director de comedia, algo que el cine español necesita con urgencia.

 Jerónimo José Martín

Ficha técnica:

España, 2013

Director: Alejandro Marzoa.

Intérpreetes: Paco Tous, Miguel de Lira, Unax Ugalde, Manuela Vellés, Marisol Membrillo. Guion: Alejandro Marzoa, Juan Cruz y Miguel Ángel Blanca.

Género: Comedia dramática

Duración:  90 min.

Público recomendado: Jóvenes 

Tras escribir y dirigir en 2002, con Julio D. Wallovits, la notable Smoking Room, el barcelonés Roger Gual confirmó sus cualidades como director y guionista en la tragicomedia coral Remake, en la que planteó una lúcida crítica a la perplejidad moral de toda la generación de Mayo del 68.

Ahora da continuidad a ese estilo y a esa reflexión en Menú degustación, otra tragicomedia coral, esta vez en torno a una cena memorable.

Una joven pareja de Barcelona, Marc (Jan Cornet) y Raquel (Claudia Bassols), consigue reservar, con un año de antelación, una mesa en uno de los mejores restaurantes del mundo, situado enla Costa Brava.Por fin llega el día esperado, pero ellos ya no están juntos. La reserva se ha convertido en una ocasión única, ya que el restaurante ha anunciado que cerrará sus puertas para siempre. Ante esta situación, nada hará que renuncien a esta última cita. Así que se unen a un grupo variopinto de privilegiados: una rica condesa (Fionnula Flanagan) que asiste con las cenizas de su marido, dos inversores japoneses (Togo Igawa y  con su tosca traductora (Marta Torné), un misterioso hombre irlandés (Stephen Rea), un editor estadounidense con una pareja amiga suya … Los atenderán lo mejor posible la famosa chef Mar (Vicenta N’Dongo) y su eficaz jefe de restaurante Max (Andrew Tarbet).

Como en sus anteriores películas, Gual ofrece una fluida y sustancial puesta en escena, un sugestivo acompañamiento musical —a cargo de — y unas sólidas interpretaciones, esta vez a cargo de un reparto internacional, en el que brillan con luz propia Fionnula Flanagan y Stephen Rea. El problema es que el guión abarca mucho y aprieta poco, de modo que sólo mantiene el interés por el intento de reconciliación de la joven pareja protagonista, sin duda, la mejor trama del filme. En ella, Gual deja una idea especialmente sabrosa frente al rampante individualismo de muchos personajes: “No hay nada más valioso que la libertad; pero puedes ser libre con alguien a tu lado”. Desgraciadamente, las demás tramas no tienen esa hondura, recurren más a arquetipos y sólo aportan algún chispazo dramático, algún golpe de humor —casi siempre, eficaz— o alguna leve intriga, a la postre, de escasa entidad. Por eso, aunque uno ve la película con agrado, sólo empatiza con los personajes en contadas ocasiones y, desde luego, no se conmueve en el festivo desenlace capriano y solidario con la intensidad que seguramente ha pretendido Gual. En todo caso, queda una película muy por encima de la media, que esboza el camino a seguir para renovar la comedia española.

Jerónimo José Martín

Ficha técnica:

España e Irlanda, 2013

Director: Roger Gual

Intérpretes: Jan Cornet (Marc), Claudia Bassols (Raquel), Vicenta N’Dongo (Mar), Fionnula Flanagan (condesa), Stephen Rea (Walter), Marta Torné (Mina), Andrew Tarbet (Max), Togo Igawa (Isao), Santi Millán

Género: Comedia dramática, romance.