Público recomendado: Jóvenes y adultos

Gerardo Naranjo resbala en su arriesgado cuarto largometraje tras firmar un guión típico, sin garra, sórdido, violento y poco creíble en el desarrollo de sus personajes a pesar de su osada y vigorosa propuesta visual e histórica. 

Inspirada en hechos reales, Miss Bala obtuvo la Mención Especial del Jurado en el Festival de Cine de San Sebastián y fue candidata por México a los Oscar y a los Goya en sus últimas ediciones. 

El filme cuenta la historia de los sueños rotos de Laura, una joven mexicana que intenta mantener sus ilusiones pese a que su vida, junto a su padre y a su hermano pequeño, no es fácil. Una de estas pequeñas alegrías que se permite es la de presentarse junto con su mejor amiga a un concurso de belleza local, aun sabiendo que sus posibilidades son pocas. Una noche, cuando se divierte con otra amiga en una discoteca, asiste a un tiroteo que se cobra varias víctimas. Para evitar la muerte se ve obligada a delatar su identidad a los asaltantes, una banda de narcotraficantes de la zona. A partir de ese momento el jefe de la banda la introducirá a la fuerza en un mundo que le supera. 

Gerardo Naranjo, tras sus discretos trabajos anteriores Malachance (2004), Drama/Mex (2006) y Voy a explotar (2008), afronta el caos en torno a la droga en México y sus consecuencias a través de pocos personajes y cierta sencillez visual, pero sin renegar de las elevadas dosis de violencia como de otras escenas de carácter sexual algo forzadas. 

A esta debacle fílmica, excesiva y confusa, se suma un guión cuyos diálogos no terminan de ser creíbles a causa de un elenco de secundarios que no da la talla. Sólo la presencia de la actriz protagonista Stephanie Sigman eleva el nivel del conjunto sin que ello evite que la trama se alargue demasiado en su tercio final, cuando dramáticamente tendría que ser al contrario. Todos estos atropellos en la aventura dejan al descubierto la vulgaridad narrativa para la que Naranjo no ha tenido clemencia y opta por el pesimismo como última salida al infierno que ha ido tejiendo durante la historia de forma abrupta. 

De vocación naturalista, Gerardo Naranjo despliega en Miss Bala una puesta en escena vigorosa y muy poderosa visualmente para la que ha renunciado a la música pero ha bendecido los planos secuencia. La película tiene, a su favor, ese fuerte componente de denuncia sobre toda la corrupción y penetración que han logrado los cárteles de la droga. Es más, Naranjo muestra con suma frialdad los tres grandes pilares que sustentan el narcotráfico: la economía sumergida, la corrupción política y policial. Así, el personaje de Laura recuerda vagamente a aquella María Álvarez de María, llena eres de gracia (Joshua Marston, 2004) -otra propuesta dura en torno a la drogadicción, oriunda de Colombia- porque están cosidas por el mismo patrón.

Queda, pues, un producto irregular que se queda en la medianería por no conseguir el equilibrio entre factura técnica y artística, a pesar de la potente presencia del mal, sin opción a la redención, encarnada en el México más enloquecido, que debería ser la causa final y definitiva del drama y no sólo un episodio más en la historia del cine sobre delincuentes y chantajistas al uso. 

José Luis Panero

Ficha técnica: 

(Miss Bala, USA, Alemania, Canadá, 2011)

Dirección: Gerardo Naranjo

Interpretación: Stephanie Sigman (Laura Guerrero), Noé Hernández (Lino), Irene Azuela (Jessica), José Yenque (Kike), James Russo (Jimmy), Miguel Couturier (general Salomón Duarte).

Duración: 113 min.

Género: Drama

Público recomendado: Adultos y Jóvenes alertando de contenido sexual 

Un par de jóvenes policías (Jonah Hill como wl agente Schmidt y Channing Tatum como el agente Jenko) con la misión de hacerse pasar por alumnos de instituto para desarticular una red de narcotráfico que ya ha provocado muertes de jóvenes. Se trata de una adaptación cinematográfica en clave de comedia de “Jóvenes policías”, una serie televisiva de los 80 protagonizada por Johnny Depp, que también realiza esta vez un “cameo”. 

Una de polis para adultos, te esperas lo peor, y lo peor es que te ríes. Es una película consciente de su estupidez supina, y de sus bromas muy vistas. Una buddy movie. Golpes gore a lo Tarantino y humor grueso. Pero tampoco busca trascender, sino hablarnos de un tema que siempre hace reir: los antihéroes en acción. El típico pardillo y el típico guaperas sin mollera de la clase, como pareja de polis. Interesante análisis de cómo en 15 años cambia la mentalidad de los adolescentes en un Instituto: de potenciar la violencia como signo de poder  y éxito a valorar la ecología, el sexo, el sentimentalismo y la homosexualidad. Pinceladas e imágenes sexuales explícitas. 

Precisamente por levantar tan pocas expectativas quizá sea una película taquillera porque no pretende nada más que hacer reir, aunque sea constatando la realidad de las drogas de diseño que circulan por colegios e institutos y que matan jóvenes, todo por probar y hacer el tonto. 

María Molina

Ficha técnica:

21 Jump Street 

USA, 2011

Director: Phil Lord y Chritopher Miller.

Intérpretes: Jonah Hill (agente Schmidt), Channing Tatum (agente Jenko), Ice Cube (capitán Dickson), Ellie Kemper (profesora), Johnny Depp.

 Duración: 109 min.

Género: Comedia, acción.

Público recomendado: Adultos

El veterano cortometrajista Roberto Pérez Toledo, debuta en el largometraje con una historia sencilla pero contada con mucho vigor dramático y pulso narrativo. Emma es una ciega de veintisiete años que trabaja en el teléfono de la esperanza y que está obsesionada con ser madre. Huye de una relación de pareja, y lo que quiere es que el hombre que la deje embarazada salga de su vida en cuanto haya cumplido su cometido. Su existencia empieza a sufrir cambios el día en que ingresa en un grupo de terapia de minusválidos.

La película, planteada en seis capítulos, hace diversas calas en la experiencia de Emma para poner sobre la mesa temas universales: la esperanza, la maternidad, el arrepentimiento, las relaciones de pareja,… y sobre todo el sentido de la vida. La película no ofrece respuestas claras, pero sí propone bocetos nada equívocos: la necesidad de sentirse queridos incondicionalmente y la responsabilidad en las relaciones. El primer “punto” se llama “Punto de partida” y se centra en la esperanza: Emma trabaja “dando esperanza”, pero también necesita que alguien se la dé; el segundo, “punto de no retorno” plantea su deseo de maternidad, pero sin pareja; y eso nos lleva a la reflexión sobre el sexo en el tercer punto, “el punto G”, y lo deja muy claro: lo que ella necesita es que la abracen. En el quinto punto, o “punto crítico”, se habla del error, de la mentira, del arrepentimiento, del dolor… para desembocar en el “punto y aparte”, un fin abierto y ciertamente ambigüo.

La cinta está rodada y montada con talento y cuenta con una de las mejores interpretaciones de Verónica Echegui. Su combinación de humor y drama está muy conseguida, sin frivolizar nunca nada de lo que ocurre. La explicitud en sus alusiones sexuales la hacen recomendable sólo para el público adulto.

Juan Orellana

Ficha técnica:

España, 2011

Dirección: Roberto Pérez

 Duración: 85 min. 

Género: Drama, romance

Interpretación: Verónica Echegui (Emma), Alex García (Germán), Fernando Tielve (Diego), Nacho Aldeguer (Ricky), Mariam Hernández (Lucía), Antonio Velázquez (Jorge), Paloma Soroa (Lidia), Beatriz López (Eli), Blanca Rodríguez (Reina)

El espejo podría simbolizar nuestra sociedad posmoderna. Unos ciudadanos anhelantes se reflejan en el cristal y bucean en su superficie sin hallar nada, pues nada se puede hallar braceando en el vacío. Y sin embargo, presenciamos el insólito espectáculo de un ahogamiento colectivo, donde se promulga la mirada perdida en uno mismo con el consumo como único horizonte. Se ha hablado, con razón, de una sociedad Narcisista y ya sabemos cómo acabó Narciso por arrimarse demasiado al tembloroso reflejo de su imagen…

La historia del cine nos ofrece modelos y contra modelos  de lo que puede ser el hombre. El séptimo arte ha puesto a menudo todos sus recursos técnicos para plasmar modelos de individuos. Con estas líneas vamos a analizar dos de ellos para intentar comprender un poco mejor nuestro presente.

Howard Roark es el protagonista de El manantial, (King Vidor, 1949) un arquitecto orgulloso y altivo que no acepta doblegarse a las exigencias de la sociedad. Roark nunca se sacrificaría por los demás. Simboliza en una persona el egoísmo del creador.

La película de King Vidor es la adaptación de la novela homónima de Aynd Rand y pone en imágenes la filosofía individualista de la escritora rusa. Vidor plasma con gran habilidad visual este aislamiento de Roark. A veces, coloca al protagonista dándole la espalda a la cámara; otras veces, lo filma utilizando planos generales para mostrar su silueta enfrentándose a sus enemigos que le observan . En una ocasión coloca la maqueta de un edificio diseñado por Roark entre el arquitecto y sus enemigos. La maqueta ocupa el centro de la imagen y separa a los contendientes; esta distribución de los personajes en el plano nos parece perfecta para mostrar la lucha entre dos concepciones opuestas sobre la arquitectura.

En general el director coloca al protagonista en una lugar lateral de la pantalla para mostrar su intransigencia y su voluntad de aislamiento. De esta manera, Vidor corresponde al aislamiento ideológico del personaje con el aislamiento visual en la pantalla.

Esta separación visual del protagonista del resto de la humanidad se mantendrá durante toda la cinta. El final de la película nos mostrará la culminación de esta misantropía con la ascensión del arquitecto subido en un ascensor alejándose de las masas que permanecen en tierra.

Llegados a este punto nos preguntamos ¿ha obtenido Howard Roark lo que buscaba? ¿es posible la creación artística dejando de lado a los demás? ¿egoísmo y entrega son compatibles? Y la última pregunta ¿cuál es el resultado de un producto artístico elaborado desde el egoísmo?. Es cierto que es casi un tópico afirmar que muchos grandes creadores han sido “malas” personas; se ha llegado a afirmar que con buenos sentimientos sólo se escriben malos poemas. Pero, a la inversa, ¿de los malos sentimientos surgen buenos poemas?. Desde luego, a nosotros  no nos parece posible.

Por otra parte, no debemos preocuparnos por la actitud de Howard Roark porque Howard Roark no existe. Evidentemente, no existe como ser de carne y hueso, pero tampoco como ente de ficción. Ése es el gran fracaso de la novelista Aynd Rand. Aunque lo parezca, Howard Roark no es un individuo. Es monolítico como una estatua de granito. Es sólo un cuerpo revestido con una ideología que lo sostiene. No tiene sentimientos ni pensamientos personales, no es más que una ideología corporeizada. El actor que desempeña este papel tiene una ardua tarea por delante: debe respirar, sentir, sufrir de la manera más realista posible para otorgar carne a un fantasma.

Según la clasificación de los personajes que establece E.M.Forster en su obra Aspectos de la novela, (Madrid: Debate, 1990, pp. 74-84) nos podemos encontrar con dos tipos de personajes: los personajes planos y redondos. Howard Roark responde a la perfección a la categoría de los planos. Si seguimos las características que Forster describe las podemos aplicar sin problemas al arquitecto creado por Aynd Rand:

1)                           Se construyen en torno a una sola idea o cualidad. (En el caso de Roark el egoísmo intransigente).

2)                           (…) son fáciles de recordar después. Permanecen inalterables en su mente porque las circunstancias no les cambian; se deslizan inconmovibles a través de éstas.

Howard Roark se alzará, pues, siempre sobre las nubes para proteger su egoísmo intransigente, pero él mismo no será nunca un ser humano. Es incapaz de cambiar, de evolucionar. Al estímulo “A” siempre reaccionará con la respuesta “B”. Aynd Rand, que siempre predicó lo individual frente a lo colectivo, no fue capaz de dotar  a sus  criaturas literarias de aliento vital. Sus personajes individuales, en suma, no alcanzaron nunca la individualidad plena; sus personajes predicaron el individualismo extremo pero nunca llegaron a ser personas.

Frente a la altiva figura de Howard Roark colocamos la de Bailey, el protagonista de ¡Que bello es vivir! (Frank Capra, 1946). Bailey parece tener las cosas mucho menos claras que Roark. Desde el principio de la película vemos que no es alguien feliz.

George Bailey es un honesto ciudadano que ha sacrificado sus anhelos personales para hacer felices a los demás. Para plasmar la infelicidad de sentirse desubicado  Capra –de la misma manera que Vidor- coloca a su protagonista en los laterales de la pantalla o aislado ante los demás personajes que sonríen agrupados y alejados de él.

En un momento de la cinta, Bailey -abrumado por la pérdida de una gran cantidad de dinero- decide poner fin a su vida. Capra filma de manera magistral este terrible momento para su protagonista. Bailey se halla en un momento de crisis existencial, no sabe qué hacer con su vida. El director, sabiamente, coloca a Bailey en un puente y, de esta manera, enfatiza la soledad del protagonista.

Pero no expresa únicamente su aislamiento colocándole en ese lugar, sino que enfatiza su desorientación y su estado de crisis espiritual. Un puente es, en efecto, un lugar que une un punto “A” a un punto “B”; no es propiamente un lugar, es un pasaje hacia otro sitio, es un lugar de transición. Bailey se encuentra en ese puente, en ese no-lugar, porque agoniza entre dos impulsos: sus sueños de irse y su realidad de quedarse. Ante este desgarramiento interno, Bailey parece optar por la más terrible huída, el suicidio y sólo una aparición celestial va a apartarle de su sombría determinación.

Sólo la intervención de un ángel sacará a Bailey de esta encrucijada existencial y le hará reconocer el verdadero sentido de su vida: su entrega  a los demás. El ángel le muestra a Bailey, con los contornos de una pesadilla, lo que habría sido de sus seres queridos si él no hubiera existido. Capra plasma con gran eficacia las imágenes de un mundo sin George Bailey. Sin Bailey la vida habría sido mucho más desabrida y yerta: el viento aúlla, la música es siniestra y de la ciudad de los vivos se pasa al cementerio, la ciudad de los muertos. Muchos seres queridos han fallecido o han soportado una vida miserable por la ausencia de George Bailey…  Tomar conciencia de todo ello, transforma el impulso de muerte que corroía a Bailey en un renovado anhelo de vida.

Capra muestra esta evolución interna de su protagonista con gran habilidad visual. Al inicio de la película, Bailey ocupaba posiciones marginales en la pantalla; al final de la cinta, Capra muestra composiciones triangulares con Bailey en el centro rodeado por sus seres queridos.¡Qué bello es vivir! muestra, pues, un  recorrido; el que va del estéril individualismo al encuentro con los demás. Ésa es su lección para todos nosotros. Howard Roark, por el contrario, no evoluciona y no hará recorrido alguno.

Se trata, en consiguiente, de recorrido personal; de evolución interna en el personaje de George Bailey. Frente a Howard Roark, Bailey sería, pues, un personaje redondo. Si seguimos con la clasificación de Forster, vemos que el protagonista de ¡Que bello es vivir!  se amolda perfectamente:

1)                           (…) intenta prosperar, pero no lo podemos resumir en una sola frase, y lo recordamos en relación con las grandes vicisitudes que ha pasado y modificado por esas escenas.

2)                           (…) como un ser humano, crece, mengua y posee distintas facetas.

Bailey se alza, pues, ante nosotros como una auténtica persona y eso nos lo hace cercano y palpitante.

El cine actual nos sigue mostrando estos modelos y contra modelos. Un espejo distorsionado de Howard Roark podría ser el granítico Gorgon Gekko de la película Wall Street de Oliver Stone.

Igualmente implacable que el arquitecto de Rand e igualmente petrificado en su actitud, Gekko es siempre Gekko y es fácil intuir sus futuras reacciones.

Generalmente, son otros personajes los que ganan nuestras simpatías. En la pantalla tenemos numerosos ejemplos de estos personajes, que sufren una crisis existencial ante nosotros y que la resuelven a lo largo de la película. De esta manera, se convierten en un cálido reflejo de Georges Bailey y de la película de Capra. Baste nombrar cintas como El hombre del traje gris , (Nunnally Johnson, 1956) donde el protagonista renuncia a su ascenso profesional para no alejarse de los seres que ama. Ya más cercanas en el tiempo, A propósito de Henry (Mike Nichols, 1991) o Family man (Brett Ratner, 2000)  comparten el mismo aroma: el aroma del amor por la vida vivida como entrega y alejada de las lagunas oscuras del nihilismo.

En A propósito de Henry un accidente arroja al protagonista a una vida nueva en la que parece haberlo perdido todo. Ya no es el directivo triunfante del inicio de la película. Sin embargo, su nueva vida le ofrecerá nuevos valores y con esta nueva vida ganará el amor de los suyos. En Family man ,igualmente, el protagonista debe elegir entre dos tipos de vida: la de la promoción egoísta o la de la entrega a los demás.  Esta encrucijada nos es muy familiar por su indudable aroma capriano que nos llega a través de las décadas. El aroma del altruismo y de la fe en el hombre.

Ya sabemos cómo acabó Narciso por arrimarse demasiado al tembloroso reflejo de su imagen. Si el espejo simboliza nuestra sociedad posmoderna, rompámoslo en mil pedazos para respirar la vida .

Alejandro Riera Guignet

El film, que combina acción, aventura y humor, cuenta con la voz de Carlos Latre (Copito de nieve, Garfield 2) para el personaje de la Bruja Corneja, una maga que intentará por todos los medios poner en marcha un malvado hechizo.

Los Cachorros y el Código de Marco Polo, el próximo 18 de mayo, en cines de toda España.

Visite http://www.loscachorros.es/

Público recomendado: Jóvenes y adultos

La obsesión de Tim Burton por presentarnos la realidad más monstruosa, hogar de las sombras menos insospechadas que habitan dentro de cada uno de nosotros, convierte al director en uno de los más complicados de definir e de interpretar dentro del ambiente artístico cinematográfico.

La película Sombras Tenebrosas se sustenta sobre los cimientos de una obra que tuvo un desorbitarte éxito en su tiempo. Hablo de una serie televisiva de 1966, realizada por Dan Curtis. La trama se construye sobre el pilar de la telenovela romántica, creativamente innovadora al estar ambientada en una corte gótica y con añadidas pinceladas de terror y fantasía. La historia habla de una familia, los Collins, que consigue un notable poderío en América a partir del siglo XVIII. Un día, el joven Barnabas Collins (Johnny Deep) cae bajo la maldición de una bruja, Angelique (Eva Green), quien al no verse correspondida en el amor, condena al joven Collins a la naturaleza monstruosa de un vampiro. El enfrentamiento entre ambos perdura a lo largo del tiempo, involucrando a la familia de Collins; hasta que Barnabas despierta de su tumba en los años 70.

Al estar ambientada en la época de los 70, recoge las modas del momento, la situación política, el nuevo sentimiento femenino de reafirmación, jóvenes rebeldes, padres liberales… todo ello enfrentado con un mundo completamente diferente y de cuento. En ella se apoya la unión familiar, la sinceridad del corazón y también la obsesión de Tim Burton en descubrir el alma en aquellos que son rechazados por la sociedad al ser calificados como diferentes. Barnabas es un hombre castigado bajo la naturaleza demoníaca de un vampiro, pero aún así, puede amar de verdad; y es aquí donde el autor lo diferencia  del amor posesivo y caprichoso de la bruja, parodia de la sensualidad desmesurada que tanto conocemos en las historias de monstruos.

La obra, al ser una adaptación televisiva, la cual también tuvo sus complicaciones interpretativas, dificulta la comprensión de la trama, en la que se enredan múltiples situaciones y personajes, cada uno con su pasado y su presencia histórica; por lo que la pretensión del director de mostrarnos todo ello en una producción de menos de dos horas ha desdibujado muchos de los personajes y no ha trabajado multitud de expectativas que ha creado en el espectador.

Las interpretaciones son magistrales, empujadas por verdaderos genios del arte dramático (entre ellos, el siempre presente Johnny Deep y una magnífica Eva Green). La fuerza productiva lo acoge el equipo artístico, todos ellos antiguos colaboradores de Tim Burton (Rick Heinrichs, encargado del diseño de producción, el diseñador de vestuario Colleen Atwood, el editor Chris Lebenzon y el compositor Danny Elfman).

De nuevo, en su último proyecto, Tim Burton nos presenta a todos sus intérpretes ocultos tras una máscara, donde ni siquiera el más normal o la luz más pura, puede librarse de un mínimo de oscuridad; porque donde hay bien hay mal, así como donde hay luz, debe haber oscuridad. Tim Burton pretende presentarnos a esas personas, disfrazadas tras un traje monstruoso o con una naturaleza aberrante, con un alma igual de sensible y humana de que quienes calificamos como más normales.

Marta García Outón

Ficha técnica:

España, 2012

Dirección: Tim Burton

Interpretación: Johnny Deep, Michelle Pfeiffer, Helen Bonham Carter, Eva Green

Duración: 113 min.

Género: Fantástico

Público recomendado: Jóvenes y adultos 

Cheyenne es una apagada estrella de rock que vive lujosamente en Dublín gracias a su glorioso pasado y a sus actuales inversiones en bolsa. Los excesos de su gloria le han pasado factura. Ahora, con su maquillaje entre lo glam y lo gótico, se arrastra junto a un carrito de la compra o una maleta por todas partes. Su vida, al borde de la depresión, no le impide ocuparse de la gente de su alrededor, pero esto, en gran medida, es debido a la mujer con la que lleva casado 35 años (Frances McDormand). Gracias a ella, no tiene la pose ni el cinismo del pasado de rosca. Tras un bello piropo de esta, responde: “No es verdad, pero gracias por decirlo”. 

Sorrentino, con comentarios inteligentes, fina ironía y sentido del humor, retrata el callejón sin salida de la visión más nihilista del rock: pose, vacío, autodestrucción y muerte. Eso sí, sin bajadas escabrosas a los infiernos: en un ambiente limpio, lujoso y agradable también puede uno hundirse en la nada. 

Tras estos prometedores comienzos, la muerte del padre de Cheyenne da un giro a la película y el personaje sale de sí mismo, embarcándose hacia los USA en la búsqueda del nazi –ya nonagenario- que torturó a su padre en Auschwitz. La galería de personajes, paisajes, y soledades compartidas del viaje muestran la influencia –no ocultada por el director- de Una historia verdadera de David Lynch. 

Que la música no es la causa de la autodestrucción lo deja claro el director. En la sanación del personaje intervienen dos momentos musicales: una actuación brillante con vanguardista puesta en escena de la banda de David Byrne (fundador de Talking Heads y compositor de la canción que da título a la película) y una íntima interpretación acústica del propio protagonista. 

El trabajo de Sean Penn es absolutamente magistral, así como el perfecto acompañamiento del resto de los actores: su buena esposa, la adolescente gótica tristona, interpretada por Eve Hewson, hija de Bono, o una simpática aparición de Harry Dean Stanton, relacionado con la maleta que arrastra Cheyenne. 

El producto final es convincente: las interpretaciones, la sutileza de muchos diálogos,  la cuidada fotografía… Y sobre todo, la complejidad de los personajes, que se enfrentan con la vida en estado puro: búsqueda de sentido, fidelidad, paternidad frustrada, necesidad de sobreponerse a la humillación, el perdón. Y la pirueta final, que obliga al espectador a recomponer el puzle.

Pablo Gutiérrez

Ficha técnica:

(This must be the place, Italia, Francia e Irlanda, 2011)

Dirección: Paolo Sorrentino

Interpretación: Sean Penn (Cheyenne), Frances McDormand (Jane), Eve Hewson (Mary), Kerry Condon (Rachel), Harry Dean Stanton (Bob Plath)

Duración: 118 min.

Género: Drama

Público recomendado: Adultos 

El reencuentro de dos hermanas separadas por el tiempo, la distancia y las circunstancias sirve a Pedro Pérez Rosado como eje centra de una buena película: Wilaya (2012). Pérez Rosado vuelve a uno de sus temas más queridos: la causa saharaui, su justicia y el olvido en que está sumida. Sin embargo, el espectador debe descartar toda idea de cine protesta que tanto tiene de la segunda y tan poco del primero. En este caso, hay sin duda un trasfondo reivindicativo (el conflicto con Marruecos, la pobreza, la discriminación de las mujeres) pero no es lo más importante. Al contrario, sirve como marco de la relación de Fatimetu (Nadhira Mohamed) y Hayat (Memona Mohamed), que plantea debates tan profundos como el ansia de superación, el amor y el compromiso.

Wilaya me ha gustado más que Cuentos de la guerra saharaui porque es menos esperable y más cercana. En esos personajes estamos nosotros. Esas miradas son de algún modo las nuestras. Esas preguntas nos las hemos formulado todos aunque no vivamos en un campamento de refugiados. Pérez-Rosado no se regodea en el dolor de los saharauis ni en los tópicos facilones de actores de pancarta. La fotografía es preciosa. Presten atención a la plasticidad del té sobre la duna y al jeep solitario por el desierto infinito.

Esta película es sobria. Sabe llevar los silencios y se parece –a veces- más a un documental que a una ficción. Se lo debe todo a los actores y a los diálogos. La música está bien escogida. En el fondo, hay todo un debate antropológico sobre la felicidad, la vida y el futuro.

Me ha gustado mucho.

Ricardo Ruiz de la Serna

Ficha técnica:

(España, 2012)

Dirección: Pedro Pérez Rosado

Interpretación: de Nadhira Mohamed, Memona Mohamed

Duración: 97 min.

Género: Drama

Público recomendado: Adultos

Ni  mejor ni peor que buena parte de las películas norteamericanos sobre delincuentes que llegan a nuestras pantallas es este “ave migratoria” que nos ha llegado de Corea. El hombre sin pasado es la denominación castellana para Ajeossi, del director y guionista Lee Jeong-Beom (Cruel winter blues y Guns & talks)

Nos extraña, por tanto, que las similitudes con los filmes de Hollywood no hayan traído mejor suerte para este proyecto coreano, ya que los exhibidores han desechado prácticamente su visionado en Madrid, reduciendo a una sala en la que podemos contemplar esta cinta. Sin duda que algo de culpa la tiene la potencia de la industria cinematográfica USA para colocar sus productos o subproductos, según se mire, y el tirón de algunos intérpretes reconocidos en nuestro país (Steven Seagel, Bruce Willis, Chuck Norris, Silvester Stallone…).

Como los condimentos son similares, les adelanto que, como las películas norteamericano de género, El hombre sin pasado cuenta con un guión previsible, repleto de acción, aceros voladores y mucho derroche de hemoglobina y sadismo que salpican la pantalla cuando Cha Tae-shik (Won Bin intérprete de Guns&Talks, Taegukgi ;MyBrother, Mother, entre otras) se ve obligado a entrar en acción para salvar a su vecina, la pequeña Jung So-mi (Kim Sae-ron), raptada por la mafia coreana tras matar a su madre como venganza por el robo de droga perpetrado por ésta.

Cha Tae-shik es testigo de ambas acciones y debe servir de correo de estupefacientes para salvar a la pequeña y actuar, lo que le supondrá encararse con su pasado y abordar viejas heridas de las que venía huyendo.

La relación del protagonista con la pequeña So-mi es lo más conmovedor de una cinta previsible, que cuenta con una dirección de actores discreta, unos diálogos sin demasiado brillo y, en ocasiones, simplones y estrambóticos; una producción y un montaje aceptables, pero con algunos despistes en la moviola; y una fotografía con algunas tomas y secuencias dignas más allá de reiterar los tópicos al uso.

Se reproduce el planteamiento de filmografía USA donde el protagonista carga con la responsabilidad de solucionar un conflicto que a todas luces es descomunal para un hombre solo. Este individualismo es recurrente en la “Fábrica de sueños” norteamericana pero creíamos –tal vez por desconocimiento de la mentalidad coreana- que en el país asiático tenía una solución colectiva y más acorde con su forma de abordar la vida.

Sabemos de la notable y reducida producción coreana que llega a nuestras pantallas, encarnada por directores de la talla de Kim Ki-duk, Lee Chang-dong, Ahn Byeong-Ki, Peter Chung (afincado en EE.UU) y, por extensión, del cine asiático, del cual he visto últimamente Kiseki (Milagro), una conmovedora película del director japonés Hirokazu Koreeda, en el festival de “Madrid hasta el cielo”, celebrado en fechas recientes en la capital de España.

Con todo, a los entusiastas de la acción y del “gore” les satisfará este filme como cualquier otro realizado en Europa y Estados Unidos con intención de distraer, supuestamente, pero que no son tan inocentes ya que son lluvia fina para satisfacer nuestras pasiones más primarias.

Enrique Chuvieco

Ficha técnica:

El hombre sin pasado

Ajeossi, Corea del Sur, 2010

Dirección y guion: Lee Jeong-beom

Interpretación: Won Bin (Cha Tae-shik), Kim Sae-ron (Jung So-mi), Kim Hee-won (Manseok), Song Young-chang (Sr. Oh), Kim Tae-hoon (Chi-gon), Thanayong Wongtrakul (Ramrowan), Kim Hyo-seo (Hyo-jeong).

Duración: 119 min

Género: Acción, thriller

Público recomendado: Adultos

En vísperas de la Revolución Francesa la noticia de la toma de la Bastilla llega a la corte de Versalles, muchos nobles deciden abandonar a los Reyes huyendo de palacio para así salvar sus cabezas. Pocos son los que quedan al lado de los monarcas, entre ellos la joven lectora de María Antonieta, Sidonie Laborde, que decide hacer caso omiso a los rumores y permanecer cerca de su amada reina. Lo que la Sidonie no aventura es que serán los últimos tres días que pasará con la monarca.

 Benoît Jacquot (Sade, Villa Amalia) vuelve en esta película a centrar su interés en los personajes femeninos. En este caso decide desempolvar uno de los tantos rumores que persiguen a la siempre atractiva figura de Maria Antonieta; su lesbianismo.  Así   retrata a la monarca enamorada de Gabrielle de Polignac, hecho que frustra a Sidonie ya que ella a su vez, vive enamorada de la frívola monarca. Efectivamente, como ven o verán, un auténtico drama telenovelesco un tanto vacío y carente de interés.

El retrato de Maria Anonieta, magistralmente interpretada por Diane Kruger (Malditos Bastardos, Copying Beethoven), se acerca a esa idea preconcebida que todos tenemos de la reina; una mujer frívola y desordenada, pero no olvida mostrarnos cierto lado humano que podemos llegar a percibir en su sufrimiento, en su miedo e incluso en su necesidad y deseo de amar. Lea Seydoux (Malditos Bastardos, Midnight in Paris) está correcta en su papel de Sidonie, aunque sorprende la poca empatía que el espectador puede establecer con  la protagonista de la película. La joven lectora de la Reina es una desconocida para quienes la rodean. Incapaz de relacionarse de un modo sano con sus compañeras, con los hombres e incluso con la propia Reina. Un personaje al que le falta volumen, de reacciones poco creíbles y desmedidas, desligada de la realidad, que llega a rozar la ataráxia y que provoca una cierta frustración en el espectador.

A pesar de tener una dirección artística soberbia y de contar con unas actrices magnificas, el guión es aburrido donde no tendría que serlo y crea interés en aspectos a los que el director no da importancia y deja abandonados.

 La excesiva cámara en mano, que pretende acercarnos a la realidad de la protagonista, acaba resultando rimbombante y engañosa, al igual que los toques musicales compuestos por Bruno Coulais (Los mundos de Coraline, Bebés), que no dejan de provocar una tensión y expectación que nunca se verán satisfechas.  

La película no falla en retratar la Corte de Versalles, llena de intrigas palaciegas, cortesanos perversos y criados curiosos. Una corte donde reina el vicio y la decadencia moral recorre todos los estratos sociales. Un micro cosmos alejado de la realidad del pueblo francés, hambriento, desengañado, exhausto e indignado, que en vez de manifestarse y acampar a las afueras de Versalles, decide lanzarse a cortar cabezas. Esperemos que la película no de ideas.

Pino Smith

Ficha técnica:

Les adieux à la reine, Francia, 2012

Director: Benoit Jacquot

Intérpretes principales: Lea Seydoux (Sidonie Laborde), Diane Kruger (María Antonieta), Virginie Ledoyen (Gabrielle de Polignac), Xavier Beauvois (Luis XVI), Noemie Lvovsky (Mme Campan)

Género: drama historico

Duración: 105min