Público adecuado: Jóvenes, Adultos.

A todo buen aficionado al cine de terror le agradará ver antes de los créditos de La mujer de negro el logo de la Hammer, la mítica productora británica que nos ofreció una gran serie de clásicos del género entre los años 50 y los 70. Ahora ha vuelto a abrir sus puertas con esta contundente muestra de horror gótico. Este subgénero nació en la literatura inglesa del siglo XIX, y La mujer de negro cumple a la perfección con todas las constantes de dicha corriente. 

Tenemos el esquema de un protagonista que procede de la gran ciudad de Londres en el racional siglo XIX, y que tendrá que acudir a un área rural, en la que aún subsiste alguna superstición, para enfrentarse a fenómenos que desafían su creencia en la razón. En último término, enfrentarse a estos hechos sobrenaturales le ayuda a superar algún trauma de su pasado. Es el mismo esquema de Sleepy Hollow, El hombre lobo y algunas otras historias del género.

Como en toda historia de fantasmas, la enseñanza final es que los vivos no deben obsesionarse con los muertos, con el pasado o los traumas vividos, ya que éstos pueden acabar dominándolos para siempre. Quizás en el caso de La mujer de negro se eche en falta un punto de esperanza, a pesar de que la idea de la trascendencia esté presente. 

La película rezuma un clasicismo muy de agradecer en su puesta en escena: un romanticismo gótico con niebla, árboles desnudos, casas lóbregas y sombrías, colores apagados… sin estridencias en la realización, con mucho énfasis en el suspense, en la atmósfera, en la inquietud que crean las sombras y la que surge de la propia historia.

Es también de agradecer cómo el director utiliza dramáticamente los distintos escenarios, en especial la casa encantada, en medio de un páramo que debido a las mareas se convierte en una isla durante varias horas del día (poética y sugerente imagen).

Por supuesto, también cae en numerosos tics del género: el efectismo de buscar sustos a través del sonido y el montaje rápido de planos espeluznantes, pero todo ello dentro del ya mencionado marco de terror clásico. 

La elección de Daniel Radcliffe como protagonista se justifica probablemente por su gancho para atraer al público más joven, y también porque el aire misterioso de la serie Harry Potter no desentona en absoluto con el papel que interpreta. El problema es, al igual que en la serie sobre el joven mago, sus limitaciones interpretativas, a pesar de que en esta película casi todo su cometido es aparecer asustado.

Además, los productores del film han sido lo suficientemente inteligentes para rodear a Radcliffe de un reparto muy competente de actores ingleses habituales. 

Así pues, podemos concluir que estamos ante una película que cumple con creces lo que se espera de una muestra del género de terror, con una puesta en escena elegante, una factura impecable y una historia que no profundiza en los temas que toca, aunque tampoco lo pretende.

Federico Alba.

Ficha técnica:

The Woman in Black (Reino Unido, 2012) 

Director: James Watkins.

Intérpretes: Daniel Radcliffe, Janet McTeer, Ciaran Hinds.

Duración: 95 minutos.

Género: terror.

Público recomendado: todos

 Sean Anderson (Josh Hutcherson) recibe un mensaje codificado de su abuelo  Alexander (Michael Cane) sobre una isla misteriosa. Sean decide reunirse con el anciano y para ello contará con la ayuda de su padrastro Hank (Dwayne Johnson), un piloto de helicóptero (Luís Guzmán) y su joven hija (Vanessa Hudgens). Pero la verdadera aventura comienza en este territorio ignoto, cuando el grupo de aventureros tiene que descubrir la manera más rápida de salir de allí, ya que la isla se está hundiendo rápidamente. 

Brad Peyton dirige esta cinta familiar, que muestra una alta calidad en el apartado técnico. Los planos generales de la isla, sus criaturas fantásticas y escenarios concretos, como el de la Atlántida, por ejemplo, están muy logrados. Sin embargo, estamos ante un film, cuyo guión, a cargo de Brian y Mark Gunn, resulta bastante epidérmico en el tratamiento de los temas que aborda, así como flojo en su estructura y diálogos. Más allá de la combinación de títulos clásicos de aventuras, como premisas creativas, la historia parece no tener una dirección clara. Tras un apresurado planteamiento, la acción se desarrolla en una sucesión de persecuciones y una conclusión un tanto forzada. Por otra parte, los personajes son estereotipados y carentes de dimensiones, si bien es cierto que la película no pretende ser más de lo que es: una aventura cargada de buenas intenciones. 

Pese a todo lo anterior, esta película puede resulta entretenida si no se quiere más que disfrutar de una espectacular factura, un 3D empleado para sorprender al espectador y una comedia al alcance de los más pequeños. 

Ana María Pérez-Guerrero

Ficha técnica:

Estados Unidos, 2012

Dirección: Brad Peyton

Intérpretes: Dwayne Johnson, Vanesa Hudgens, Michael Caine, Josh Hutcherson

Guión: Richard Outten, Brian Gunn, Mark Gunn

Duración:

Género: Aventuras, fantástico.

Público recomendado: Jóvenes y Adultos

Matt Weston es un joven y ambicioso agente de la CIA que está agotado de supervisar un piso franco de la agencia en Ciudad del Cabo, donde nunca pasa nada. Hasta que un día llevan allí detenido a un mítico ex agente, Tobin Frost, que ha vendido secretos de Estado a media humanidad, y que es violentamente perseguido por otros espías no identificados que asaltan el piso franco a sangre y fuego. Matt huye con Tobin como puede, y emprende una huida trepidante, sin reglas ni protocolos, con un único objetivo: salvar como sea a su “invitado”. 

Después de triunfar internacionalmente con Dinero fácil, Daniel Espinosa debuta en Hollywood con El invitado, thriller frenético en el que el joven cineasta sueco de origen chileno muestra su admiración por directores del género de los años 70, como John Frankenheimer o John Schlesinger, y por realizadores latinos actuales como Alejandro González Iñárritu, Alfonso Cuarón o Fernando Meirelles. El resultado de esas sugerentes influencias es una película sin respiros ni caídas de ritmo, marcada por un violento hiperrealismo —algo excesivo pero muy eficaz—, y cuya falta de originalidad argumental se disimula con la poderosa presencia de Denzel Washington y Ryan Reynolds, que exprimen dramáticamente a sus personajes en su memorable duelo interpretativo. Elogio especial merece la vibrante banda sonora de Ramin Djawadi, que se completa con una magnífica selección de canciones.

 Jerónimo José Martín

Ficha técnica.

Safe House ( USA, 2012)

Género: Acción, thriller.

Director: Daniel Espinosa. Intérpretes: Denzel Washington (Tobin Frost), Ryan Reynolds (Matt Weston), Brendan Gleeson, Robert Patrick, Sam Shepard, Liam Cunningham, Vera Farmiga.

Público recomendado: Adultos

Lo mejor de Eva supone el regreso de Mariano Barroso al largometraje de ficción tras haber dedicado algunos años al cine documental y a la televisión. El director catalán cuenta en su haber con otros filmes como Hormigas en la boca, Mi hermano del alma, Los lobos de Washington, Extasis y Kasbah, una firme trayectoria que se ha visto recompensada con numerosos premios en festivales internacionales.

En esta ocasión Barroso nos cuenta la historia de una joven abogada que estudió presionada por su padre y a quien el ejercicio de la profesión ocupa toda su vida. Eva ha renunciado a mucho por su carrera y se ha convertido en una persona insegura e inaccesible. Carece de auténticos ideales y sobrevive entre la insatisfacción y el trauma en un mundo contaminado por la corrupción, en el que no puede desenvolverse. La relación que establece con Roco –Miguel Ángel Silvestre-, un gigoló con tanto encanto como ego, derrumbará sus seguridades y la conducirá a donde nunca supuso que podría llegar.

Según Barroso “Eva y Rocco que se parecen más de lo que se imaginan. Ella se niega a sí misma y él desmonta es negación. Eva rechaza sus impulsos más íntimos, justo lo que Rocco despierta”. La relación que establecen los personajes, centrada fundamentalmente en el sexo, le sirve a la protagonista para despertar de su coma emocional, pero también le lleva a descubrir que vive en un mundo vacío de esperanza y horizontes, donde no es posible el perdón.

Tanto Leonor Watling como Miguel Ángel Silvestre llevan a cabo muy buenas interpretaciones y los aspectos técnicos de la cinta están muy cuidados. Barroso nos ofrece un thriller bien construido, pero que ofrece una visión trágica del hombre, marcado por un destino del que no podrá escapar y avocado a la venganza como única salida.

Ana Lanuza

Ficha técnica:

(Lo mejor de Eva, España, 2012)

Director: Mariano Barroso

Intérpretes principales: Leonor Watling, Miguel Ángel Silvestre, Nathalie Poza, Joxean Bengoetxea

Duración: 93 min.

Género: drama, thriller erótico.

Público recomendado: Adultos

En un instituto de Rennes, en la Bretaña francesa, conviven una serie de adolescentes variopintos, cada uno con sus propios problemas e inquietudes. Hervé, el protagonista, es un chico normal, un buen chaval, poco agraciado físicamente, fiel colega de sus amigos, pero que goza de poca popularidad entre las chicas, que constantemente le dan calabazas. Con las hormonas a flor de piel, su universo gira básicamente en encontrar novia a cualquier precio, cuando de repente, un buen día, Aurore, una de las chicas más guapas y populares de la escuela se fija en él y comienza a “tirarle los trastos”.

Al principio Hervé no da crédito, pero tras varios encuentros con ella, que básicamente se reducen a besuquearse sin parar como dos babosas y a explorar la sexualidad juntos, él se va creciendo y va adquiriendo una confianza en sí mismo importante, hasta llegar al punto de no querer acostarse con Aurore, cuando ella lo está deseando.

Mejor Ópera Prima en los Cesar (Premios de la Academia Francesa de Cinematografía) en el año 2009, The French kissers  es el film de debut del multifacético Riad Sattouf que se ocupa de la dirección, el guión y la banda sonora tras breves experiencias en el pasado, como actor, en cintas como Gainsbourg (Vida de un héroe) o Declaración de guerra.

Es una comedia divertida, pero francamente superficial y a veces desagradable, en la que Sattouf retrata el mundo adolescente, deteniéndose sólo en los problemas de integración social en el cruel universo escolar (donde la apariencia y la popularidad lo es todo), y en las primeras experiencias sexuales con el otro género.

Por desgracia, esta película no aborda ninguna cuestión trascendental, ni de interés humano de gran calado, si bien se podría decir que entra en lo social y en lo antropológico, en cuanto a los problemas de los adolescentes: la inseguridad, la amistad, las primeras relaciones sexuales, el trato con sus familias, étc. Tan sólo narra la historia de un grupo de adolescentes desesperados por tener una novia, más bien una chica con la que acostarse, y mientras la encuentran, aprovechan la mínima ocasión de diversión para masturbarse, como si su gran logro en la vida fuera tener un orgasmo satisfactorio.

Si bien hay algo positivo en esta teen comedy es el acierto de Sattouf en la descripción y caracterización de los personajes, en cuanto a los típicos estereotipados compañeros de escuela de Hervé: el heavy, los marginados, los populares y los “abusones” típicos que se meten con los más débiles.

Cabe mencionar la actitud que el director muestra (no sabemos si intencionadamente crítico) de unos padres irresponsables, despreocupados, divorciados, que acompañan a sus hijos a la fiesta y acaban enrollándose con la misma desesperación, efusión, y excitación que sus hijos de 14 años. Incluso hay una escena en la que la madre de Hervé le anima a masturbarse, riéndose con su hijo por haberlo pillado “in fraganti” en su dormitorio.

El otro punto positivo de esta ópera prima del director francés es que está muy influenciada de su experiencia como creador de cómics (Pascal Brutal, Mi circuncisión, La vida secreta de los jóvenes), en los que ya se había posicionado como un gran creador-observador del universo adolescente. Quizás por la influencia del cómic, Sattouf se siente cómodo en la utilización del humor visual y del gesto preciso, tan gráfico y colorido en este film

El joven actor francés Vincent Lacoste se encuentra inmerso en algunas prometedoras producciones galas como la próxima entrega de la saga Astérix y Obelix, gracias a la fama adquirida en su país por la difusión de esta alocada comedia-retrato generacional de la adolescencia de 2009 en la que interpreta al acomplejado e inseguro Hervé. Le acompañan otros actores noveles que intentan hacerse un hueco en la difícil industria del cine como Anthony Sonigo, Alice Trémolière, Julie Scheibling y Baptiste Huet. En  The French kissers  aparecen algunos rostros conocidos, en pequeños papeles, como la italiana Valeria Golino (Rain man, Hot Shots), Irene Jacob (Tres colores: rojo de Krzysztof Kieslowski, U.S. Marshals) o Noémie Lvovsky (Mi mujer es una actriz).

Rosa Díe

(Les beaux gosses, Francia, 2009)

Director: Riad Sattouf

Intérpretes: Vincent Lacoste, Anthony Sonigo, Alice Trémolière, Emmanuelle Devos, Valeria Golino, Irène Jacob, Noémie Lvovsky, Marjane Satrapi, Léopold Simalty, Christophe Vandevelde

Duración: 90 min.
Género: Comedia

Público recomendado: Jóvenes y Adultos 

Llega la comedia francesa del año, genial en todos los sentidos: tiene una buena historia y está contada de manera brillante. Basada en hechos reales, la cinta desborda humanidad, emoción, escenas para reír y llorar con ganas, y en ningún momento cae en la sensiblería barata. 

Trata sobre la amistad que se forja entre un tetrapléjico rico francés y uno de sus cuidadores, un inmigrante angoleño (marroquí en la historia real). Entre todos los candidatos al puesto, le elige a él porque no le mira con pena ni compasión. De hecho, algo parecido dijo el protagonista en la vida real cuando le propusieron llevar su vida al cine: que no sea la historia triste de un inválido, que sea divertida. 

El choque de personalidades es brutal, dos estilos de vida, con gustos y aficiones totalmente diferentes. Philippe es un viudo cultivado, tranquilo, que disfruta de la música clásica, el arte y la ópera. Driss es un joven de los suburbios, con problemas familiares y colegas al borde de la ley, pero que irradia alegría. A pesar de las diferencias, o precisamente por ellas, la química entre ambos es insuperable, logran una conexión enorme, gracias al intercambio de vivencias, siempre con una actitud positiva y desde un profundo respeto. Juntos comparten alegrías y tristezas, dolores y experiencias nuevas. Philipe recupera las ganas de vivir y Driss toma las riendas de su vida. 

El guión te atrapa desde la primera secuencia, una persecución en coche por las calles de París llena de adrenalina. El resto de la historia se cuenta en flash back. Los diálogos son ágiles, ingeniosos y muy realistas. La fotografía y el lenguaje audiovisual son brillantes, delicados y llenos de matices, miradas y sobrentendidos. Mención especial merece la música, tanto clásica como pop tipo “Cool & the Gang”, que envuelve las mejores escenas, como la memorable fiesta de cumpleaños. 

El tema social nos descubre la vieja Europa, donde muchos ancianos y enfermos están solos, y son atendidos por personas extranjeras, que a su vez están dejando su impronta llena de humanidad. En cierto sentido es una metáfora de la sociedad actual, mezcla de culturas, entre la Europa clásica y las nuevas tendencias y estilos que traen los inmigrantes. Pero ante todo, es un canto a la vida y a la dignidad enorme de cada persona, que no depende de su raza, ni país, ni de si está enfermo o en paro. 

Intocable clausuró el festival de San Sebastián con una enorme ovación y un larguísimo aplauso de público y crítica, y está teniendo un enorme éxito de taquilla en Francia, Alemania y Tokio, donde ha recibido el premio a la “Mejor Película” y “Mejor Interpretación”. Ha conseguido 9 candidaturas a los Premios Cesar, y en Estados Unidos ya han comprado los derechos de distribución. No me sorprende su éxito, porque esta joya del cine francés realmente engancha con el espectador y nos anima a ser mejores personas. Por cierto, el título es el mismo, pero nada tiene que ver con Los Intocables de Eliot Ness.

 María Luengo

Ficha técnica:

Intouchables (Untouchable), 2011

Dirección: Olivier Nakache, Eric Toledano

Interpretación:  François Cluzet (Philippe), Omar Sy (Driss), Anne Le Ny (Yvonne), Audrey Fleurot (Magalie), Clothilde Mollet (Marcelle), Alba Gaia Ballugi (Elisa), Cyril Mendy (Adama).

Duración: 109 min

Género: Comedia

Público recomendado: Jóvenes

 Inglaterra, principios del Siglo XX. Todo comienza a las puertas de la Primera Guerra Mundial. Una familia de granjeros ingleses compra un fogoso potro de caza en una subasta, a pesar de no tener dinero para pagarlo. Lo compran guiados por una intuición, la de que es un animal que tiene algo especial. El caballo recibe el nombre de Joey y no parece estar hecho para el trabajo de campo. Pero el hijo de la familia, Albert, está decidido a domarlo y enseñarlo. Ambos se hacen inseparables pero cuando estalla la guerra tienen que vender a Joey para poder subsistir. A partir de aquí, sus caminos se separarán. 

Spielberg vuelve, en su vertiente más realista, con una gran historia épica y lo hace sin olvidarse ni de sus temas principales ni de su, cada vez más maduro, estilo de rodaje. En este caso, War Horse (2011), está basada en una exitosa novela del director inglés Michael Morpurgo, ya que antes que para el cine fue adaptada para el teatro de Londres. Los responsables de la adaptación cinematográfica han sido Richard Curtis (Cuatro bodas y un funeral, 1994) y Lee Hall (Billy Elliot, 2000), consiguiendo un eficaz y notable guión. A nivel interpretativo cabe destacar el descubrimiento del joven Jeremy Irvine (Albert) y a los padres del protagonista interpretados sólidamente por Peter Mullan (Mi nombre es Joe, 1998) y Emily Watson (Rompiendo las olas, 1996). Spielberg consigue, a lo largo de la trama principal y subtramas, introducir personajes secundarios cuya ternura atraviesa la pantalla y alcanza al espectador. Mantiene un dominio de la cámara fantástico siendo capaz de narrar con sencillez y emoción secuencias difíciles en donde quizás otros realizadores se complicarían sin necesidad. Con una brillante fotografía y un montaje al servicio constante de la historia, resulta un producto sobresaliente a pesar de un metraje ligeramente excesivo. Memorable como siempre la banda sonora del maestro John Williams, en la que abundan los instrumentos de viento denotando el origen humilde del protagonista. 

Uno de los temas más analizados y estudiados dentro de la obra de Spielberg, es la ausencia de la figura paterna. Por su biografía sabemos que pasó su infancia en diferentes ciudades debido principalmente a los traslados de su padre. Steven se crió con tres hermanas y sus padres se divorciaron cuando él tenía veintiuno. Se puede recorrer toda su filmografía señalando cómo construye sus historias en entornos familiares en donde el padre está ausente o con alguna problemática concreta. Por lo tanto, de la ausencia del padre pasamos a entornos familiares rotos o con riesgo de ruptura. Es impactante la secuencia del garaje en E.T. (1982) cuando los dos hermanos están buscando algo y se topan con una camisa de su padre que aún olía a él.  También en War Horse nos encontramos con este tema y con objetos vinculados a la figura paterna (una especie de antiguo lazo de guerra). Otro tema recurrente en la obra de Spielberg es la muerte de la inocencia o de la fantasía infantil. En donde, una mirada inocente se ve forzada a crecer y a hacerse adulta. Clarísimo ejemplo es el joven Jim de El imperio del sol (1987). Una mirada que en el cine de Spielberg coincide con el asombro de la inocencia del niño ante las cosas que descubre. Pero la realidad es testaruda y las circunstancias en las que se ven envueltos los personajes llevan a éstos al paso de la niñez a la adolescencia. No obstante, también se descubren personajes adultos que aún guardan cierta nostalgia de aquella inocencia perdida. Recordemos que es el padre de Albert, el que detecta lo especial que es ese caballo, que más tarde será su hijo quien lo llame Joey. Como si tuviese un hilo aún despierto que le permitiese, cómo mínimo, reconocer lo bello cuando lo tiene delante. Aunque sea tan sólo por unos instantes. 

Frente a la ausencia paterna y a la dureza de la vida, surge la necesidad de “compensar” ese vacío. Y es ahí, donde el protagonista genera un vínculo, un vínculo que le mantenga esa mirada positiva sobre la realidad que, quizás, debiera venir del padre. Es un vínculo, porque es una relación. En E.T. (1982) hablamos de Elliot y del más tierno alienígena de la historia del cine. Y en War Horse, hablamos de Albert y su caballo, Joey. Es un vínculo profundo, tan hondo que se convierte en ese hogar ansiado por el protagonista. En La Terminal (2004), se expresa con una promesa, que le recuerda a Victor Naborski (Tom Hanks) a quien pertenece, la promesa que le hizo a su padre antes de morir. Pues bien, cuando los personajes de Steven desarrollan estos vínculos de pertenencia, bien con un alienígena bien con un caballo, crecen cómo personas y generan entornos de admiración y respeto. Como le pasa al Capitán Miller (Tom Hanks) en Salvar al Soldado Ryan (1998). O a Albert y a Joey en War Horse, pues consiguen ser punto de ilusión para toda una nación. Porque tener claro a quien perteneces te hace caminar más cierto y más libre, y eso, se nota. Un vínculo, pues, que te hace más fecunda cada acción. Y es justo en este punto donde Spielberg, según mi opinión, abre una categoría nueva. La categoría de lo milagroso. De hecho, a Joey se le llama el caballo milagroso. Parece como si Spielberg fuera tras esa historia aún no encontrada en donde el vínculo generado fuera irrompible. Un vínculo que fuese indestructible ante cualquier guerra y ante cualquier adversidad. Parece querer crear a dos personajes con una relación de pertenencia tal que no hubiese ninguna circunstancia negativa en la que la esperanza se perdiera. Por lo tanto, la categoría de lo milagroso genera un terreno creativo en donde todo es posible. Cabe destacar la secuencia de War Horse en donde un inglés y un alemán hacen un alto en plena batalla y tienen un encuentro del tipo que hablamos. O la secuencia de El color púrpura (1985) en donde Sugar, una sexy cantante de un club nocturno cercano a la Iglesia del pueblo, escucha una canción titulada “Dios tiene algo que decirte”.  Y atravesada por la nostalgia se lleva a toda la banda a la Iglesia, y entra justo cuando el predicador comienza la parábola del hijo pródigo.

 La ausencia paterna en Spielberg desemboca en un terreno en donde todo es posible, en donde hasta lo milagroso parece razonable. Precisamente, porque es respuesta a una herida que Steven lleva intentando sanar a través del cine desde que era un director precoz, y hacía películas caseras en super-8. Bendita ausencia, pues, cuando se la mira hasta el fondo te acerca a un terreno “gracioso”, milagrosamente razonable. Terreno en el que confluyen tanto la obra realista como la de ciencia ficción de este director que más que el rey Midas parece ser un mendigo con una herida y un talento hechos para el cine. 

Carlos Aguilera Albesa

Ficha técnica:

War horse (USA y Reino Unido, 2011)

Dirección: Steven Spielberg.

Duración: 148 min.

 Género: Drama, bélico.

Interpretación: Jeremy Irvine  (Albert), David Thewlis (Lyons), Emily Watson (Rose), Toby Kebbell, David Kross (Gunther), Peter Mullan (Ted), Niels Arestrup (abuelo), Eddie Marsan (sargento Fry), Benedict Cumberbatch (mayor Jamie Stewart), Tom Hiddleston (capitán Nicholls), Celine Buckens (Emilie).

Público recomendado: Familiar

Dixie es una adolescente rebelde y arisca, que adopta una oscura apariencia gótica y una actitud pesimista como reacción al divorcio de sus padres y al ingenuo optimismo de su padre, un buen hombre que trabaja como embalsamador de cadáveres. Humillada por sus compañeras de clase y por su novio, Dixie manifiesta su deseo de no vivir y, en efecto, despierta como una zombi en un extraño cementerio únicamente habitado por una gafe princesa egipcia, fallecida hace siglos. Ambas emprenden un viaje con el fin de abrir una puerta hacia el mundo real con la ayuda de un mítico amuleto, que lleva Dixie en su calavérico cinturón. Pero también ansía ese objeto una malvada bruja, que lanza tras ellas a sus espeluznantes ángeles negros. 

Este largometraje de Joan Spinach y Ricardo Ramón padece una animación 3D con fondos pobres y movimientos muy artificiales. Sin embargo, los diseños de personajes son imaginativos y expresivos, y la ambientación general del filme funciona en su descarada imitación de los universos fantásticos de Tim Burton, sobre en películas como Eduardo Manostijeras o La novia cadáver. A esto se añade un guión no demasiado original, pero ágil, divertido, muy bien doblado y finalmente positivo en su reivindicación del optimismo como la mejor actitud vital. Queda así un estimable entretenimiento familiar, algo macabro pero sugestivo, que quizás ponga en aprietos a Arrugas en la lucha de ambas producciones por el Goya al mejor largometraje de animación.

Jerónimo José Martín

Ficha técnica:

(España, 2011)

Directores: Ricardo Ramón y Joan Espinach.

Duración: 80 min.

Género: Animación, comedia.

 Público recomendados: Adultos

¿Tres? ¿Y por qué no cuatro o cinco? Puro experimento de ingeniería sentimental, aderezado con intelectualidad germánica, el que nos propone Tom Tykwer (The International, Dinero en la sombra, El Perfume. Historia de un asesino, Paris, je t’aime, En el cielo, Corre Lola, corre), estrenada en versión original con subtítulos en una única sala de Madrid. Para los “rápidos” de juicio, esta alusión no desmerece a priori ningún estreno porque ya le pasó lo mismo a aquella portentosa “Amazing grace”, en idénticas condiciones que Trhee, pero en ésta lo que se ventila es bien distinto.

El cartel de la película es explícito (vemos acostados juntos a dos hombres y una mujer), por lo que parece servir a las intenciones del director; esto es, plantear un nuevo tipo de relación sentimental estable. En la película, no existe el propósito de ver el recorrido de los personajes hasta adecuar en sus vida este nuevo proyecto vital, y lo que sí nos muestra profusamente son las relaciones genitales que mantienen, primero a pares y luego para acabar felizmente en comandita.

Hanna (Sophie Rois) y Simon (Sebastian Schipper) cumplen veinte años de una relación aburrida a la par que intelectual –como nos muestra Tykwer- y buscan emociones para salir del marasmo por el que trascurren sus respectivas vidas. Mientras operan de urgencia a Simon de un cáncer de testículo, Hanna no se entera de este suceso (¿dónde está su móvil?) y se marcha al fútbol, donde se encuentra con un contacto profesional, Adam (Devid Striesow), con el que inicia relaciones. Sin recibir ningún reproche de Simon por la inasistencia de su novia en los primeros momentos de su intervención quirúrgica, ésta le visita en el hospital al tiempo que continuará repitiendo los encuentros con Adam. Este, a su vez, conoce días posteriores al recuperado novio de Hanna en la piscina, con el que comienza una relación homosexual, otra más que combina este bisexual de sonrisa amigable al que no parecen afectarle ninguna cuestión, pues conserva un equilibrio mirífico en todo momento.

Conflictos personales: mínimos, y ninguno que pueda recibir ese nombre con propiedad, y cuando la cosa avanza –como ya nos anuncia el cartel- hacia el trío, Tykwer se desmarca con otro salto mortal en el que los personajes aparcan sin tensiones sus “trasnochados” prejuicios morales, y en un abrir y cerrar de ojos terminan de acoplarse como Dios los trajo al mundo, con embarazo de Hanna inclusive, en lo que parece un anuncio naturista de diseño o portada de revista bisexual (ya van apareciendo).

Tykwer es también compositor y su banda sonora y algunas partes del montaje son lo más interesante del filme, trufado desde su inicio de un inmanentismo en los personajes por el que vacían el lenguaje de contenido (continuas paradojas expuestas desde las primeras imágenes) para recrearlo de nuevo en una carrera tan alocada como teórica en la que plantean relaciones de contrarios, en la que quedan barridos la expresión de cualquier sentimiento humano y, por tanto, los argumentos con los que se expresan habitualmente.

La mentira de Trhee está machaconamente aquí, en este sutrato, y tanta genitalidad visionada hace más transparente percatarse de dónde está la gran trampa y de por qué cuatro o cinco relaciones simultáneas, siempre son posibles porque se basan en contactos de cuerpos, sin  más.

Enrique Chuvieco

 Ficha técnica:

 Three (Alemania, 2010)

Mayores 18 años

Dirección y guión: Tom Tykwer. 

Interpretación: Sophie Rois (Hanna), Sebastian Schipper (Simon), Devid Striesow (Adam) Producción: Stefan Arndt.

Duración: 114 min.

Género: Tragicomedia 

El escritor británico Michael Morpurgo estuvo muchos años intentando escribir un guión basado en su propia novela de 1982 titulada War Horse. Finalmente, en 2007 desistió en su intento y rápidamente fue Steven Spielberg quien se encargó del proyecto para Dreamworks. Y de momento no le ha salido nada mal. Nominada a en 6 categorías a los Oscar 2012 (entre ellas a Mejor Película y Mejor Banda Sonora Original), ha suavizado para toda la familia la historia de aventuras de un caballo durante la Segunda Guerra Mundial.

Para acompañar la narración de la vida de Joey, que así se llama el caballo, Spielberg ha vuelto a llamar a la puerta de John Williams. A pesar de sus recién cumplidos 80 años, el compositor estadounidense aceptó este nuevo reto en un año en el que ha resurgido con fuerza. No sólo por esta composición, sino por la también nominada al Oscar Las aventuras de Tintin. El secreto del unicornio. De hecho, entre las dos, podemos visitar casi todos los registros de Williams (excepto, quizá, la composición coral).

En esta que nos ocupa, desde su preestreno en Estados Unidos, se ha comentado que es una especie de compendio de melodías anteriores. Sobre todo de El patriota (recuerda claramente a las melodías inglesas aunque situada en una época bastante anterior) y Nacido el cuatro de julio (para mí, sólo hay reminiscencias en ciertos acordes y en el uso de instrumentos de viento metal). Pero la influencia que parece más clara y palpable es la del compositor inglés Ralph Vaughan Williams. Sobre todo de ciertas partes de sus sinfonías.

A pesar de todo lo anterior, donde hay que poner el acento en esta composición en primer lugar es en la maravillosa sutileza con la que el creador ha dado cuerpo a una historia situada en la Inglaterra de principios del siglo XX con la mezcla de tres estilos musicales muy bien diferenciados: la música inglesa (lógica y evidente, sobre todo en los acompañamientos), algunas melodías de origen celta (recordándonos algunos pasajes de Un horizonte muy lejano) y música típicamente americana de la época. Para cualquier otro, hubiera sido una montaña demasiado alta para escalar, pero escuchando “Dartmoor, 1912″, parece que todo ha surgido con la mayor naturalidad del mundo.

Lo segundo que nos llama la atención es la falta de una melodía central. Al contrario de lo que hizo con Las aventuras de Tintin, en la que cada personaje y situación tenían una correspondencia musical propia, en este caso parece que los 65 minutos de su música nos trasladan de una forma abstracta hacia cada una de las situaciones por las que tendrá que pasar nuestro ecuestre protagonista.

Todos esos cambios se verán reflejados en la música, que podemos dividir en tres partes. Una primera, que corresponde al período de sosiego y crecimiento del animal en sus campos de Inglaterra como en la comentada “Dartmoor, 1912″, en “Bringing Joey Home, and Bonding” o en “Plowing”. En ellos destaca el espíritu nostálgico de unas tierras y una forma de vida muy lejanos. Como si se tratara de un cuento de hadas irreal.

 Pero una trompeta (“The Charge and Capture”) nos despertará del sueño para adentrarnos en un segundo período en el que las batallas, el metal y los tambores nos harán  recordar, por momentos, Star Wars. Episodio III. La venganza de los Sith. Este giro temático nos mantendrá en tensión a lo largo de “Pulling the Cannon” y hasta “No Man’s Land”. Donde comienza la última parte de este desarrollo en el que volvemos a las ideas del comienzo de la película pero ahora cargadas de un dramatismo que ayudará a que se escape alguna que otra lágrima en el patio de butacas, pero impregnada de un optimismo que hasta ahora no habíamos disfrutado. Sobre todo en la maravillosa “The Homecoming”, el último corte del disco.

Sin duda, una de las mejores bandas sonoras del año. Quizá de nivel algo inferior a Las aventuras de Tintin, pero que rivalizará con sus competidoras por los Oscar. En cualquier caso, una preciosa música para disfrutar.

 Francisco Arellano

Ficha técnica

 (War Horse, EE. UU. y Reino Unido, 2011)

Compositor: John Williams

Sello: Sony Masterworks

Duración: 62,46 min.